Die Welt befindet sich nach wie vor im Griff der Finanzkrise. Große Veränderung in der neoliberalen Kamikazepolitik der Börsen und Konzerne sind allerdings nicht zu erkennen, denn die Lasten müssen ja nur Millionen von keiner Lobby vertretene Steuerzahler tragen und die Verantwortlichen können sich derweil sogar an ihrem Versagen via Abfindungen bereichern. In den USA wird der Hoffnungsträger Barak Obama als Präsident vereidigt und geht mit viel Elan daran, die reaktionärer Machtpolitik der USA auf Links zu drehen – gegen den erbitterten Widerstand aller konservativen und ultra-religiösen Pappnasen, für die ein schwarzer Präsident an sich schon den nahenden Weltuntergang einläutet. Im Laufe der Zeit wird sich sein Idealismus leider an der Realität und an den Widerständen abnutzen: Währenddessen kommt die islamische Welt nicht zur Ruhe: Bomben-Attentate, Terrorismus, Mord sind im gesamten Nahen Osten an der Tagesordnung. In Mexiko bricht eine Schweinegrippe aus, die auch auf Menschen übergreift, und wird zum weltweiten Problem. In Kopenhagen findet ein UN Klimagipfel statt bei dem sich wieder einmal zeigt, dass wirtschaftliche Interessen weit wichtiger sind als jede Vernunft. Man legt sich auf genau genommen Gar nichts fest, formuliert nur ein paar wohlfeile Absichtserklärungen. Der schottische Folkmusiker John Martyn und der amerikanische Songwriter Vic Chesnutt sterben, und auch Michael „Zombie“ Jackson fällt zum Entsetzen von Millionen von Fans auseinander. Seine Familie fleddert schon nach kürzester Zeit ohne jede Scham die Hinterlassenschaften. Musikalisch hat sich 2009 nicht allzu viel getan, die 00er Jahre werden in gewisser Weise noch einmal rekapituliert. Mit The xx kommen junge Menschen mit einer erfreulich minimalistischen Popmusik zu verdientem Erfolg, Psychedelic und Elektronik vereinen sich, überhaupt gibt es etliche Verästelungen in allen Bereichen der sog. elektronischen Musik. Das gleiche gilt für alle Formen von Metal, in Pop, Rock und Post Rock, in leichter bis heftigster Psychedelik – überall splittern Stilrichtungen in Mikro-Genres auf und es kommen schöne Alben zum Vorschein - die aber von der großen Masse nur nach als Download konsumiert werden und damit irgendwie an Bedeutung verlieren. Die Anzahl an Veröffentlichungen ist unüberschaubar, „große“ Bands/Musiker/Vorreiter für eine Revolution irgendeiner Art - gibt es nicht. Nur viel schöne Musik – und solche die ich ignoriere – wie etwa Madonna-Recyclerin Lady Gaga oder die inzwischen zu Stadion-Beschallern degenerierten Coldplay oder die Kneipenfolk Revivalisten Mumford & Sons, die man 5 Minuten gut fand, weil sie gerne die Fleet Foxes wären. Viel Musik = (leider auch) viel Müll weil kein Interesse der Musikindustrie am Aufbau von Künstlern mit längerer Halbwertzeit. Zumal sich die musikalischen Interessen der jungen Generation eher in alternativen Kanälen sammeln.
Flaming Lips
Embryonic
(Warner
Bros., 2009)
Die Reaktionen auf das zwölfte Album der Flaming Lips sind zunächst einmal sehr gemischt. Für die Einen ist es zu durcheinander und zu weit vom inzwischen schon zehn Jahre alten Soft Bulletin entfernt, für die andern ist es ein Schritt zurück, zu nah am alten, chaotischen Stil der Lips ca 95 - und dass Wayne Coyne das neue Album selber als „sparkeling mess“ bezeichnet, unterstützt die Meinung etlicher Kritiker, die genau das als Nachteil von Embryonic bezeichnen. Für mich aber ist es eines der besten – vielleicht das beste Album eines Jahres, in dem wenig aufregend Neues erscheint. Tatsächlich haben die Lips in den letzten zehn Jahren alles zu einem Blumenstrauß gebündelt, was sie an Pop und Kommerzialität finden konnten, und diesen Strauß dann von allen Seiten ausgeleuchtet. Nun fügen sie wieder ihre Vorlieben für Chaos und Experiment, Psychose und Dunkelheit hinzu, stecken – um beim Bild zu bleiben - dornige Äste und Kakteen in den Strauß. Will sagen, es gibt etliche Passagen, die auch an den hochinfektiösen psychedelischen Bubbelgum-Pop von Soft Bulletin erinnert , in jedem Song wird man daran erinnert, dass die Flaming Lips hervorragende Songwriter sind, und mit „The Sparrow Looks Up“ gibt es sogar mindestens einen durchgehend „normalen“ Track. Aber eigentlich lauert in jedem Song ein bisschen Wahnsinn. Embryonic ist durchzogen von Distortion, Drones und dunklen Sounds, zuckenden Gitarren, verhallten Stimmen rumpelnden Bässen und endlich wieder diesen völlig übersteuerten Drums. Und weil all das über 18 Songs gestreut wird, weil jeder Song in diverse Facetten aufsplittert, ist Embryonic ein verdammt ausgedehntes funkelndes Chaos. Die Lips waren selbst in ihren kommerziell erfolgreichsten Tagen immer ein bisschen angsteinflössend – jetzt bricht die Psychose aus (was ja schon am Covershoot deutlich wird...). Man höre nur das von Karen O's Tiergeräuschen durchzogene „I Can Be a Frog“ oder den unheimlichen Bass von „Powerless“. Und wieder einmal haben sie mit „Convinced of the Hex“ einen magischen Album-Opener vorangestellt. Also: Dieses Album am besten mehrmals in zwei Zügen hören. Dann erkennt man die Klasse.
Flaming Lips - Convinced of the Hex
The xx
s/t
(Young
Turks, 2009)
Auch wenn ihr sparsamer Sound 2009 ziemlich einzigartig ist – The xx sind keine Innovatoren. Sie haben eher zufällig eine Ästhetik entdeckt und weiter entwickelt, die es schon in den 80ern gab, die aber vergessen schien. Wobei man ihnen nicht vorwerfen sollte, sich bei alten Vorbildern bedient zu haben (Der Name Young Marble Giants fällt quasi reflexhaft immer wieder...) - sie konnten glaubhaft versichern, dass sie diese Band und ihr einziges Album von 1980 nicht kannten und dass sich ihre Klangästhetik logisch aus ihren Fähigkeiten, Ideen und Idealen entwickelt hatte. Romy Madley Croft macht aus ihrer limitierten Stimme und ihrem schlichten One Note Gitarrenspiel das Beste, indem sie einprägsame Gitarrenfiguren spielt, und mal murmelt, mal zurückhaltend singt, daneben spielt der ebenso schlichte aber abgrundtiefe Bass von Oliver Sim, der sich den Gesang mit Croft teilt. Dazu bedient Jamie Smith diverse elektronische Rhythmusmachinen – das Konzept ist mit dem der Young Marble Giants fast identisch. Entscheidend ist ja, was man 'draus macht. Und mit dem Intro, mit „VCR“ und „Crystallized“ haben die drei großartige Songs irgendwo im Spannungsfeld zwischen Post-Punk, verträumter Indietronica und Alternative R&B. Dass die Lyrics nur Themen anzureißen scheinen, so wie die Melodien immer irgendwie unfertig wirken, macht gerade den Reiz aus. Dass The xx die seinerzeit so erfolgreiche Rihanna verehrten – statt irgendwelcher altvorderen Indie Heroen – mag die Nerds verwundert haben, aber auch das ist gleichgültig, wenn ein so schlüssiges, eigenständiges Ergebnis herauskommt – gepaart mit so einer schlicht/schönen corporate identity. Ich bewundere bis heute den ökonomischen Sound (und das Coverdesign) von The xx und liebe das Album für Songs wie „Shelter“, „Islands“ oder „Infinity“. Dass dieses Konzept neben Songs bald Ergänzungen brauchen würde, war klar. Das Nachfolge-Album versuchte das weniger erfolgreich, beim dritten Album wurden sie wieder besser, und Jamie Smith würde sich in den kommenden Jahre als Jamie xx zum erfolgreichen UK Bass/House-Produzenten entwickeln. Ob The xx auch in 20 Jahren noch erinnert wird? Wer weiss? Ich kann es mir vorstellen.
The xx - Crystalised
Animal Collective
Merriweather Post Pavillion
(Domino.
2009)
Animal Collective
Fall Be Kind
(Domino,
2009)
Die 00er-Jahre sind musikalisch insofern enttäuschend, als es wahrlich keine bahnbrechenden Entwicklungen gibt – abgesehen von der Kommerziali- und Digitalisierung aller musikalischen Quellen. Man kann alles überall downloaden, jeder kann alles kennen(lernen), aber wirklich neue Ideen (wie Punk, HipHop, Techno etc.) gibt es nicht. Dafür werden Stilarten nebeneinander gestellt, vermischt und/oder verfeinert. IDM wird noch intelligenter, Psychedelic Music wird noch psychedelischer. Und eine der für diese Zeit typischsten Bands sind Animal Collective. Die haben es geschafft über Jahre immer bessere Musik zusammenzubrauen, eine organische Verbindung aus Folk, Psychedelik, Techno, Pop und den Beach Boys zu schaffen, die zuletzt doch einen eindeutig eigenen Charakter hat, die Stil hat und nur nach Animal Collective klingt. Ihr '07er Album Strawberry Jam war eines der besten Alben jenes Jahres und '09 veröffentlichen sie ein weiteres Album und eine tolle EP. Und Merriweather Post Pavilion, (benannt nach einer Konzert-Location in Columbia, Maryland) ist tatsächlich in einigen Bereichen eine Steigerung zum Vorgänger. War Strawberry Jam eine bewusst chaotische Ansammlung von Ideen, dann ist Merriweather... ein konziser Block. Immer noch pulsieren die Bässe, blubbern die Rhythmen, immer noch werden Versatzstücke aus Pop und Minimal Techno zu kreiselnden Tracks zusammengesetzt, die scheinbar auseinanderfliegen, um sich dann anders wieder zusammen zu fügen, immer noch überlagern sich die Stimmen der vier Musiker - und heraus kommt ein psychedelisch buntes Suchbild. Man sagt, insbesondere Panda Bear's Einfluss habe für die Pop-Obertöne gesorgt, die das Album bei aller lärmenden Farbigkeit so zugänglich und poppig bleiben lässt, aber ich denke, da war ein echtes, funktionierendes Kollektiv am Werk, das nichts mehr dem Zufall überlassen hat. Animal Collective sind keine Instrumental-Virtuosen, sondern eine Einheit, die sich aus vier Individualisten gebildet hat. Sie sind die Beatles ca. Revolver in ihrer und für diese Zeit. Ein Vergleich der auch deswegen passt, weil auch das legendäre Beatles-Album ohne Singles auskam und als Ganzes konzipiert war. Auf Merriweather... stechen Songs wie das bezaubernd-poppige „Summertime Clothes“ oder das an Mercury Rev erinnernde „My Girls“ heraus, aber letztlich muss man das Album komplett hören – und kann es kaum beschreiben, weil die Menge an Ideen so groß ist... Dass sie immer noch Ideen übrig hatten, zeigt dann die zehn Monate später veröffentlichte EP Fall Be Kind. Die ist nicht bloße Resteverwertung, sondern hat mit „What Would I Want? Sky“ (mit Grateful Dead-Sample) und „On a Highway“ zwei Kandidaten für die besten Songs der Band dabei. Die EP ist weniger verwirbelt als das vorherige Album und - sicher auch wegen der Kürze von knapp einer halben Stunde – leichter zu verdauen. Natürlich gibt es auch hier Ideen zu Hauf, hier scheint Avey Tare den Weg bestimmt zu haben (sagt man), aber genau diese EP mit ihrer Ökonomie brachte mich dazu, die Doppel-LP Merriweather... seither auch in kleiner Dosierung zu hören. Sie ist eine perfekte Ergänzung und IMO unverzichtbar.
Animal Collective - Summertime Clothes
Animal Collective - On a Highway
The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble
Mutations EP
(Ad
Noiseam, 2009)
The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble
Here Be Dragons
(Ad
Noiseam, 2009)
Und wieder: Ich liebe dieses Projekt/diese Band – aber kaum einer kennt sie und trotzdem gehört für mich ihre 2009er EP und Album zum Wichtigsten und Besten dieses Jahres und daher..... Ihr wisst ja. Das Kilimanjaro Darkjazz Ensemble (ab jetzt KDE) stammt aus den Niederlanden, hat sich 2000 um die Jazz/Elektronik-Musiker Jason “Bong-Ra” Köhnen und Drummer Gideon Kiers in der Kunstszene Utrechts gebildet, und war zunächst angetreten, um Musik für klassische Stummfilme zu erschaffen. Mit der Zeit erweitere und verselbstständigte sich das Repertoire und diverse andere Musiker stießen dazu, die den Sound um insbesondere „organische“ Komponenten wie Streicher, Bläser und Stimme zu erweitern. Mit der EP Mutations und dem nachfolgenden Album Here Be Dragons sind sie an einem künstlerischen Höhepunkt angekommen. Ganz einfach – es gibt keinen, der so klingt wie KDE. Diese Musik ist kein Post-Rock, kein dunkler Industrial, kein Downtempo/Trip Hop und auch kein Jazz – KDE verbinden all diese Einflüsse zu einer Musik, die sie selber Dark Jazz nennen. Eine Musik mithin, deren Reiz sich nicht so sehr aus „Songs“ speist, als vielmehr aus der entstehenden Atmosphäre. Die EP Mutations ist mit ihrer Länge von 35+ Minuten zwar ein echter „Longplayer“, aber sie hat nicht den Zusammenhalt, den das nachfolgende Doppelalbum Here Be Dragons aufweist – was Mutations nicht schlechter macht. Hier stehen die Tracks einzeln für sich, jeder scheint in einem zeitlosen Raum zu schweben, in einer nebligen Atmosphäre, in der graue Electronica-Farben über dunkelroten Jazz in schwarze Post-Rock Tönungen verlaufen. Die acht Stücke haben die gelungene Verbindung von elektronischen Texturen, jazzigen Untertönen und einer cineastischen Atmosphäre gemeinsam, die zu jedem Track Bilder entstehen lässt. Aber wenn man bei Mutations acht verschiedene Kurz-Filme sieht, dann ist Here Be Dragons der Soundtrack zu einem kompletten Film. Der Titel des Albums spielt auf die Anmerkungen auf mittelalterlichen Landkarten an, auf denen unbekannte Territorien mit dem Hinweis versehen wurden, dass dort Drachen leben könnten. Solche unerforschten Gebiete werden hier in einer Mischung aus Improvisation, elektronischer Manipulation und festgelegten Grundstrukturen vermessen. Here Be Dragons ist „organischer“ als die EP, mit Charlotte Cegarra haben die beiden Bandköpfe eine Stimme dabei, die gekonnt zwischen Blues, Jazz und Klassik changieren kann, Gideon Kiers Drumming trägt genauso zur Beunruhigung bei, wie Jason Köhnen's elektronische Sounds. Und wenn auf Mutations die Atmosphäre überhand nahm und die Melodie komplett unwichtig wurde, dann haben die Musiker hier anscheinend Wert darauf gelegt, erkennbare melodische Struktur als Insel zu unterlegen. Here Be Dragons ist der Grund, warum diese Band hier auftaucht, es ist ein nuanciertes Album, erfüllt von an- und abschwellendem Rauschen und Dröhnen, episch und zugleich subtil, eine Erweiterung dessen, was Massive Attack mit Mezzanine gemacht haben, in Bereiche, in die noch niemand vorgedrungen war – auch wenn Bohren und der Club of Gore oder das Dale Cooper Quartet in ähnlichen Gewässern segeln mögen. Übrigens unfassbar, dass das Album noch nicht vernünftig wiederveröffentlicht wurde.
The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble - Twisted Horizons
The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble - Mists of Krakatao
Fever Ray
s/t
(Rabid,
2009)
Die Schwedin Karin Dreijer Andersson hat seit Ende der Neunziger mit Honey Is Dead (sozusagen unter Ausschluß der Öffentlichkeit...) und mit The Knife (erfolgreich...) ein paar ganz famose Alben gemacht. Insbesondere Silent Shout von 2006 war eine grandiose Erneuerung von Synth-Art-Pop - avantgardistisch und zugleich zugänglich - und dass sie dann drei Jahre später unter dem Moniker Fever Ray dermaßen beeindrucken konnte, war insofern nicht überraschend. Sie war beim Geschwister-Duo The Knife gleichberechtigte Kreativ-Partnerin und hatte beschlossen, in der nach der Geburt des zweiten Kindes genommenen Pause das Material zu veröffentlichen, das sich bei ihr angesammelt hatte. Sich dazu hinter dem Alias Fever Ray zu verbergen und nicht als erkennbare „Person“ aufzutreten, stand im Einklang mit dem Konzept hinter The Knife. Die Musik auf Fever Ray ist allerdings erfreulich eigenständig. Natürlich ist ihre Handschrift erkennbar, aber sie jagt ihre Stimme durch hunderte von Effektgeräten, beim irgendwie tribalistischen „Concrete Walls“ fast bis zur Unkenntlichkeit, sie verlangsamt das Tempo im Vergleich zu The Knife und klingt dadurch – und durch eine gewisse „Faulheit“ in der Ausstattung der Songs – um einiges düsterer als auf den Knife-Alben. Interessanterweise klingt Fever Ray sehr organisch, trotz des fast ausschließlichen Einsatzes von Synthesizer, Drum-Machines und Stimmverfremdung. Sie hat Teile mit der Gitarre eingespielt, diese Samples aber dann verändert und regelrecht verschwinden lassen. Eines der deutlich erkennbaren Themen des Albums ist ihre Mutterschaft, besagtes „Concrete Walls“ behandelt das Thema aus Sicht der übermüdeten Mutter, bei Songs wie „When I Grow Up“ und „Seven“ wechselt sie in die Perspektive des Kindes – eine gewisse Distanz gehört wohl zum Konzept. Fever Ray ist ein tiefblaues, seltsam schönes, sehr eigenständiges Album mit zehn Songs, die in jedem Gewand funktionieren würden und wenn sie sich von Kram wie dem 80er Miami Vice Soundtrack oder Phil Collins beeinflusst sieht (wie sie in Interviews sagte), dann hat sie da nur das Gute verarbeitet. Dass sie zu den Live-Auftritten mit Masken und/oder bemaltem Gesicht auf der Bühne stand, ist konsequent - und so schlüssig wie das komplette Album. Und übrigens: Dass sie mit Björk verglichen wird ist kompletter Unsinn – damit tut man gleich zwei Musikerinnen unrecht.
Fever Ray - Concrete Walls
Ben Frost
By the Throat
(Bedroom
Community, 2009)
Ben Frost ist ein australischer Komponist, Musiker und Produzent, der sich in den letzten Jahren einen Namen durch seine Zusammenarbeit mit den Swans und Tim Hecker gemacht hat. Er passt hervorragend in eine Zeit, in der Alles mit Allem kombiniert wird, weil auch er sich durch Klassik, Minimal Music, Punk und Black Metal beeinflusst sieht – aber er wäre nur einer von Vielen, wenn er nicht die Fähigkeit hätte, all diese Einflüsse unter einen Hut zu bringen – mit Ergebnissen wie dem '06er Album Theory of Machines oder mit diesem Meisterstück hier. By the Throat ist elektronische Musik – oder Avantgarde, Dark Ambient, Drone, whatever - wie sie atmosphärisch dichter, härter, erschütternder und bedrückender nicht gemacht werden kann. Der Covershoot mit Wölfen in einer eisigen Industrielandschaft gibt die Stimmung von By the Throat genauso gut wieder, wie der Titel des Albums. Der Film, für den dieses Album den Soundtrack liefern könnte, wäre kein angenehmer. Da wäre der Opener „Killshot“, bei dem der elektronische Subsonic Bass die Luft aus dem Raum zu saugen scheint, da geht es weiter mit knurrenden Wölfen und dem Doom Piano von „The Carpathians“ und hört noch nicht mit dem keuchenden Rasseln am Ende des zunächst so tröstlichen „Híbakúsja“ auf. Aber es ist nicht so, dass hier einfach nur Angst erzeugt wird. „Leo Needs a New Pair of Shoes“ ist mit seiner schlichten Piano/Banjo-Melodie kühl und schön, und wenn man hinter all diese Tracks blickt, findet man eine Ansammlung liebevoller, vielschichtiger Details. Bei den Aufnahmen auf Island (wo Frost auch lebt) haben ihm das String-Quartett Aminaa und der Komponist Nico Muhly geholfen. Das Cover und die immer wieder auftauchenden Wölfe auf diversen Tracks suggerieren gewollt eine Handlung, und jeder einzelne Track ist ein Kapitel in einer Geschichte, die man selber denken soll. Das Triptychon, welches das Album beendet, reisst aus der relativen Ruhe und Klarheit von „Leo...“ mit pulsierendem Noise a la Aphex Twin heraus und endet dann im weissen Rauschen eines Testbildschirmes. By the Throat ist ein Ideen-Overkill – ein durchgehend spannendes Album von starkem Charakter – was bei dieser Art Musik keine geringe Leistung ist.
Ben Frost - The Carpathians
The Unthanks
Here's the Tender Coming
(Rough
Trade, 2009)
Mag sein dass meine Meinung, dass Here's the Tender Coming von den Unthanks eines DER Alben 2009 ist, nicht geteilt wird. Aber - hey - das ist schließlich meine Sache hier. Und die Ansicht, dass das dritte Album der beiden Geschwister Unthank + Gefolge aus dem Nord-Osten Englands das schönste Folk-Album des Jahres ist, wird zumindest von Conaisseuren geteilt. Immerhin stellt sich die berechtigte Frage, inwieweit Folk in dieser Zeit noch von Belang ist. Seit den goldenen Zeiten des britischen Folk-Rock kurz vor/nach 1970 hat sich im Genre außer seiner Elektrifizierung nicht sehr viel verändert. Die Künstler der 68er Generation sind durchaus in Würde gealtert und die Musik, die sie immer noch machen, schöpft nach wie vor aus alten Quellen. Erst die meist amerikanischen Free- und Freak-Folk Adepten der 90er haben Folk in eine weniger traditionelle, mitunter sogar avantgardistische Richtung getrieben - wobei Musiker wie Joanna Newsom oder Devendra Banhart etliche mehr oder weniger vergessene Heroen des britischen und amerikanischen Folk der 60er und 70er zurück ins Bewusstsein gehoben haben (Vashti Bunyan, Linda Perhacs, die Incredible String Band). Mit den beiden Schwestern Becky und Rachel Unthank tritt eine junge, wieder mehr alten Traditionen verpflichtete Generation ins Rampenlicht. Das sind junge Musiker, die wieder traditionelle Songs interpretieren und auf der Bühne Clog-Dance praktizieren. Here's the Tender Coming ist schon ihr drittes Album, (das erste unter dem Namen Unthanks) und sie sind nach zwei ebenfalls sehr gelungenen Alben nun zu einer neun-köpfigen Band angewachsen. Die Basis ihrer Musik liegt zwar ausserhalb von Psychedelic und Freak-Folk – aber das heisst nicht, dass sie nur die Rezepte der 60er aufbereiten. Auf den bisherigen zwei Alben als Rachel Unthank & the Winterset hatten sie neben Traditionals auch Nick Drake oder Robert Wyatt gecovert, hier wird die 60er Folk-Meisterin Anne Briggs gecovert, es gibt ein paar altvordere und einige selbst-geschriebene Songs – und sie alle bekommen durch teils recht ungwöhnliche Arrangements einen ganz eigenen und spannenden Charakter. Das extrem eingängige „Lucky Gilchrist“, geschrieben vom Keyboarder und Arrangeur Adrian McNally, klingt als wäre es von Sufjan Stevens arrangiert, „Annachie Gordon“ ist so traditionell gesungen wie sein Ursprung es verlangt, basiert aber auf der Version von Nic Jones, einem weiteren Folk Heroen der 70er. Der Fokus liegt immer wieder auf den unterschiedlichen und doch so trefflich harmonierenden Stimmen von Rachel und Becky Unthank. Man höre nur das erschütternde „The Testimony of Patience Kershaw“ - basierend auf einem Gedicht über das Leid der Kinder in viktorianischen Kohleminen oder den fröhlichen Titeltrack. Die charakteristischen Stimmen der beiden Schwestern und die intelligenten Arrangements machen Here's the Tender Coming zu einem beeindruckenden Album – zu einem, das alt und modern zugleich klingt und zu einem, das mehr Leute an Folk heranführen könnte – wenn jemand zuhören würde...
The Unthanks - Lucky Gilchrist
Bill Callahan
Sometimes I Wish We Were An Eagle
(Drag
City, 2009)
Ähnlich wie jede Form von Folk(lore)-Musik hinterlässt auch das sog. Singer/ Songwriter-Genre seit Ewigkeiten Spuren in der Populärmusik. Folk war die Grundlage, auf der Songwriter ab Mitte der Sechziger ihre Nabelschauen und Beobachtungen mit günstigenfalls gelungenen eigenen Songs, eigenen Texten und mit einem eigenen Stil in die Welt setzten. Und bis heute hat sich Nichts daran geändert, dass man jedes Jahr großartige Ergebnisse dieser Kunst in Albumform genießen kann – so wie 2009 Bill Callahan's zweites Album unter eigenem Namen (zuvor hatte er unter dem Pseudonym Smog gearbeitet...). Sometimes I Wish We Were An Eagle ist große Kunst – und steht in einer Reihe neben großen Alben von Cohen, Cave, Dylan, Drake oder Waits – und ich bin mir dessen bewusst, dass sich ob einer solchen Behauptung etliche Konservative empören werden. Ob Musiker einer jüngeren Generation die Altvorderen übertreffen können, kann man an anderer Stelle untersuchen, Songs schreiben und selber interpretieren ist eben eine alte Kunst – und ob sie in den 00er Jahren noch aktuell ist, wäre zu hinterfragen. Hier geht’s zunächst mal nur um dieses Album. Bill Callahan klang auch schon unter dem Smog Moniker wie Einer, der etwas zu sagen hatte – auch wenn er dazu eine private, mitunter fast autistische Sprache verwendete, voller hermetischer Inside Jokes und seltsamer Bilder, die man genau untersuchen musste um sie zu verstehen. Er beobachtet seine Umwelt von außen, aber der erstickenden Trauer früher Jahre ist eine gewisse Altersweisheit gewichen. Nicht dass Callahan zum Witzbold geworden wäre, aber er reflektiert seine Umwelt nun objektiver – wenn auch mit einer gewissen Boshaftigkeit wenn er beim munteren „Eid Mad Clack Shaw“ etwa singt: Love is the king of the beasts / And when it gets hungry it must kill to eat.“ Und vor Allem kleidet er seine melodisch so reduzierten Songs inzwischen in ein warmes Gewand aus Piano, schwebenden Gitarren, Geigen und Hörnern – auch wenn sein Bariton bei allen Songs erschreckend weit vorne steht. All das lässt seine unbequemen Beobachtungen angenehmer klingen, als man es bei Smog gewohnt war – was übrigens alte Fans abgeschreckt haben dürfte. Dabei sind seine Songs heute einfach nur anders gekleidet. Er hatte immer ein Händchen für schlichte, ergreifende Melodien und diese glänzen bei Songs wie „All Thoughts Are Prey to Some Beasts“ nun verführerisch (...und Callahan singt eindeutig „...Zombies“ statt „...Some Beasts“). Sometimes I Wish We Were An Eagle ist schlicht die Erweiterung und Erfüllung eines Kosmos, den Callahan in den Jahren zuvor geschaffen hatte. Es ist ein großes Album eines sehr alten Genres. So was kann man altmodische oder zeitlose Musik nennen. Mir egal, denn es ist ein tolles Album.
Bill Callahan - Eid Mad Clack Shaw
Vektor
Black Future
(Heavy
Artillery, 2009)
Das Gleiche, was ich über Singer/ Songwriter-Musik gesagt habe, kann man über „harte Musik“ = Metal in jeder Form sagen. Den gibt es schon seit 40 Jahren und immer noch treten Diamanten zu Tage. Vektor sind eine US-Thrash Metal Band aus Arizona, und mit ihrem zweiten Album Black Future starten sie ein Revival dieser speziellen Form von Metal, die bis weit in die 10er Jahre reicht. Freilich haben Vektor den Vorteil, dass sie ein Feld beackern können, das in den 80er/90er Jahren schon reichhaltig bestellt wurde. Sie müssen nicht - wie dereinst Metallica und Slayer - erst einmal einen „Stil erfinden“ - sie bauen auf dem auf, was ihre Vorbilder geschaffen haben. So ist dieses Album für eine junge Band musikalisch sehr ausgereift. Auf dem Debüt Demolition waren die Vorblider Kreator, Destruction und Voivod noch deutlich herauszuhören gewesen, auf Black Future ergänzen sie den technoiden Thrash noch um Death/Black Metal-Einflüsse von alten Helden wie Coroner und Death – insbesondere beim Gesang von David DiSanto – der mit Black Metal-Gekreische eventuelle Schwächen seiner Stimme genausogut überdeckt, wie James Hetfield es mit seinem Hardcore Gebell bei Metallica gemacht hat. Ab und zu wird Bassist Frank Chin so losgelassen, wie Metallica es dereinst Cliff Burton erlaubten und über all dem throhnt erschreckend virtuose Drumming von Blake Anderson. Dass Erik Nelson und DiSanto als Gitarristen alle Tricks ihrer Vorfahren 'drauf haben, ist da nur noch eine Selbstverständlichkeit, die zur Intensität dieses Albums beiträgt. Aber ohne solch halsbrecherische Riffgewitter wie „Oblivion“ oder das epische „Forests of Legend“ wäre alle Technik nutzlos. Wie bei allen wichtigen Metal-Alben sind es die großartigen Songs, gepaart mit instrumentaler Wucht und einem schlüssigen Kozept, die ein Album aus der Masse herausheben. Dass Vektor Voivod verehren – und deren dystopischen Sci-Fi Metal ins neue Jahrtausend heben – lässt sich schon am kvltigen schwarz-weiss Cover erkennen, aber Vektor haben mit Black Future eine willkommene Wiederbelebung des Thrash-Metal hinbekommen, indem sie ihn um einige artfremde und moderne Elemente erweiterten. Dass diese Musik nicht den kommerziellen Erfolg von Metallica zur Zeit des schwarzen Albums haben würde, versteht sich. Damals waren Metallica schließlich auch nicht mehr innovativ bzw. spannend. Vektor würden die Versprechen dieses Albums in den kommenden Jahren einlösen – wobei sie an Wucht verloren und Technik zulegten – auch ein typisches Schicksal.
Vektor - Forests of Legend
Califone
All My Friends Are Funeral Singers
(Dead
Oceans, 2009)
