Algerien wird in blutigen Geburtswehen von Frankreich unabhängig, die Kuba-Krise spitzt sich zu, als amerikanische Zerstörer vor Kuba ein russisches U-Boot beschießen. Einer der russischer Offiziere an Bord weigert sich, die nuklear bestückten Torpedos zu starten und verhindert damit wahrscheinlich den Ausbruch des 3. Weltkrieges. In Deutschland wird in der sog. „Spiegel Affäre“ ein kritischer Artikel über die Verteidigungsbereitschaft des Landes von der CDU Regierung als Anlass zum Angriff auf die Pressefreiheit benutzt. Im Iran sterben bei einem Erdbeben über 12.000 Menschen, und an der deutschen Nordseeküste kommt es zu einer gewaltigen Sturmflut. Marilyn Monroe und der Schriftsteller William Faulkner sterben, der Film Clockwork Orange kommt ins Kino. Brian Jones, Mick Jagger und Keith Richards gründen die Rolling Stones und treten erstmals gemeinsam im Marquee Club in London auf. Die Beatles werden von der Plattenfirma Decca nach ersten Probeaufnahmen abgelehnt („weil Gitarrengruppen nicht mehr „modern“ sind !“) veröffentlichen aber später ihre erste Single („Love Me Do“) und treten die bekannte Lawine der Beat-Musik – zunächst noch nur in England - los. Die Beach Boys und Surf Rock im allgemeinen, Bob Dylan, Judy Collins und der sich langsam von den Originalen lösende Folk aus den Clubs im New Yorker Greenwich Village sind zarte Andeutung auf eine Fortentwicklung der pop(ulären) Musik, aber auch Blues, Soul und vor allem Jazz sind Genres mit einigen interessanten Alben im musikalischen Jahr 1962 - wobei Jazz die Musikgattung ist, die in ihrer Reife ganz herausragende Alben bietet. Mingus, Coltrane und Coleman und die Jazz-Riege des Blue Note Labels haben die besten Alben, Platten die die Grenzen der Avantgarde weit voranschieben. In England verschwinden die Shadows und der Rock'n'Roll der Prä-Beat Generation langsam in der Versenkung, aber wie oben gelesen – mit den Stones und den Beat Bands der Stunde beginnt sich vor Allem hier etwas „Neues“ zu bewegen.
Charles Mingus
Oh Yeah
(Atlantic,
1961)
Charles Mingus
Tijuana Moods
(Atlantic,
Rec. 1957, Rel. 1962)
Was Oh Yeah zu einem besonderen Mingus'-Album macht? Nun – zum Einen wohl den durchgeknallten Rahsaan Roland Kirk – den blinden Saxophonisten, der drei Instrumente gleichzeitig spielen konnte, sowie einen Charles Mingus, der bei seiner Rückkehr zum Atlantic Label seine Exzentrizität und seinen schrägen Humor übersprudeln ließ. Auf Oh Yeah spielt Mingus nicht Bass – den überlässt er Doug Watkins – sondern nur Piano, er arrangiert und begleitet die Songs durch Zwischenrufe und bluesigen Gesang und ich vermute, dass die Zusammenarbeit mit dem ebenfalls leicht wahnsinnigen Kirk das Album so verrückt klingen lässt. Dazu kommt mit Brooker Ervin noch ein zweiter famoser Saxophonist, und - mit Songs wie dem Opener „Hog Callin' Blues“ zum Beispiel - Vorlagen, auf denen insbesondere Kirk sein Instrument nach Herzenslust blöken, heulen und schreien lassen kann. Mingus und Kirk teilten eine enzyklopädische Kenntnis des Jazz, und beide hatten nicht vor, mit ihrem Wissen konservativ umzugehen. So gab es mit dem wunderbar betitelten „Oh Lord, Don't Let Them Drop That Atomic Bomb on Me“ einen modernen Gospel samt Chor, so gab es Musique Concrete bei „Passions of a Man“und bei „Wham, Bam, Thank You Ma'am“ Thelonius Monk-Zitate. Hätte Monk Mingus' Part am Piano übernommen, und Mingus den Bass gespielt, dann wäre Oh Yeah vielleicht sogar noch besser geworden, aber diese Spekulation ist natürlich müßig, es ist Mingus verrücktestes und auch „fröhlichstes“ Album - in Englisch heißt das „Upbeat“ - klingt besser – und es gehört zu seinen vielen Klassikern – knapp hinter The Black Saint and the Sinner Lady und Mings Ah Um. Kirk verließ Mingus' Band leider nach kurzer Zeit wieder und spielte das formidable Domino ein... Und Atlantic beschloss auch noch quasi zum gleichen Termin das 1957 für Bluebird aufgenommene Album Tijuana Moods in die Welt zu setzen. Fünf Jahre waren seither vergangen, aber mingus Abenteuerlust war auch '57 schon virulent. Die Musik auf diesem Album entspringt tatsächlich einem wahnwitzigen Urlaubs-Trip Mingus' mit seinem damaligen Drummer Dannie Richmond in der mexikanischen Grenz-Stadt. Mingus hatte eine Scheidung hinter sich, wollte seine Gefühle in Exzessen aller Art ertränken – und ließ diese Erfahrungen in Musik fliessen, die genau das auch wiedergibt. Auf Tijuana Moods tauchen auf fünf Tracks South-of the-Border-Mariachi Rhythmen und TexMex Folk-Melodien in Mingus abenteuerlichen Jazz ein. Das beginnt mit dem Dizzy Gillespie gewidmeten „Dizzy Moods“ noch ganz optimistisch und ein bisschen hysterisch, angeblich entwickelt im Auto während sie Gillespie's Musik lauschten. „Ysabel's Table Dance“ ist eine Nightclub-Szene, voller Lust und Wildheit, „Los Mariachis“ ist ein Tribut an die Straßenmusiker und bei „Flamingo“ klingt das Album mit einem Ellington-Tribut aus. Mingus nannte es sein bestes Album und war zunächst verärgert, dass auf dem Cover sein Vornamen mit „Charlie“ angegeben wurde. Das „wäre ein Pferde-Namen, er hieße Charles“. Das wurde dann verändert. Dass dieses Album in en folgenden Jahrzehnten mit etlichen Outtakes aufgedickt wurde, ist eines der üblichen überflüssigen Phänomene des CD-Zeitalters. Die ca 35 Minuten des Originals reichen locker.
John Coltrane
Live At The Village Vanguard
(Impulse!,
Rec. 1961, Rel. Feb. 1962)
John Coltrane
Coltrane Plays the Blues
(Atlantic,
Rec. 1960, Rel. Jul. 1962)
John Coltrane
Coltrane
(Impulse,
Aug. 1962)
Die Impulse!-Bosse Rudy Van Gelder und Bob Thiele nahmen zwischen dem 1. und 5. November 1961 22 Live-Tracks von Coltrane mit seinem klassischen Quartet und ein paar weiteren interessanten Musikern im Village Vanguard Club in NY auf. Heraus kam sein zweites Album für Impulse!, das erste, das wirklich Aufsehen erregte, nachdem er den Vorgänger Africa/Brass mit einem Cast aus 21 Musikern besetzt hatte. Man kann sagen, es ist das erste Album, das wirklich zeigt, wo es auf Impulse! bald hin gehen wird. Drei Tracks wurden '62 auf diesem Live at the Village Vanguard veröffentlicht, zwei weitere Live-Tracks wurden 1963 auf Impressions veröffentlicht – und wer viel Zeit, Geld und Lust hat, kann sich die Complete 1961 Village Vanguard Recordings als Box-Set besorgen – aber das ist IMO definitiv zu viel des durchaus Guten. Auf diesem ersten Live Album klingt Coltrane nicht mehr, als müsste er sich seiner selbst vergewissern, als „suche“ er noch, hier spielt Einer, der genau weiss, was er will. Die erste LP-Seite bginnt noch mit dem recht zurückhaltenden „Spiritual“, bei dem er sich mit seinem Freund und gleichwertigen Kollegen Eric Dolphy an der Bass-Klarinette ruhige, fast ein bisschen vorsichtige Solo-Duelle liefert, das 1928er Operetten-Stück “Softly, as in a Morning Sunrise“ wird dann vom Pianisten McCoy Tyner und natürlich von Coltrane bestimmt. Tyner legt mit einem wunderbar perlenden Solo los, ehe Coltrane erstmals wirklich abhebt. Die zweite LP-Seite besteht dann einzig aus dem 16-minütigen freien Blues „Chasin' the Trane“. Nur von Bass und Schlagzeug begleitet spielt Coltrane hier ein Solo, das schon Alles vorweg nimmt, was er auf späten Alben wie Meditations oder Interstellar Space in Free-Jazz erschafft. Hier haben die Töne bei sehr freier Form eine innere Logik, die diese Art von Free Jazz spannend und nachvollziehbar macht – wenn man sich darauf einlässt. Bei den Aufnahmen muss Rudy Van Gelder Coltrane dauernd auf der bühne hinterher rennen, der war wohl (hörbar) in den Wolken. Live... und die Village Vanguard-Tracks von Impressions wurden auch auf einer Doppel-CD zusammengefasst. Da hat man dann genug, finde ich. Und dann - erst einmal diese Info zum Zweck der Einordnung: Coltrane Plays the Blues wurde im Oktober 1960 für Atlantic aufgenommen, es handelt sich um Tracks, die er mit seiner Band aus Elvin Jones (dr), McCoy Tyner (p) und Steve Davis (b) bei den Sessions zum Album My Favorite Things sozusagen als Fingerübung einspielte. My Favorite Things ist -wie der Titel schon sagt - ein Album mit Versionen seiner Lieblings-Standards, die sechs Tracks von … Plays the Blues sind Eigenkompositionen, oder besser kurze Themen, die Bass, Piano und Drums vorgeben, damit Coltrane darüber improvisieren kann. Dabei hielt er sich durchaus an die Regularien das Blues, so gesehen sind Tracks wie „Blues to Bechet“ nicht wirklich abenteuerlich, noch hatte er nicht die Höhe seiner Kunst erreicht, und den Coltrane der Village Vanguard-Konzerte wird man hier nicht finden. Aber immerhin sind sowohl seine Solo-Attacken als auch die Art, in der das Rhythmus-Gespann den Blues hier fundamentiert, doch teils ziemlich unorthodox. Beim besten Track, dem genannten „Blues to Bechet“ begleiten Coltrane nur Bass und Drums und er spielt ein paar fantastische Soli auf dem damals selten eingesetzten Sopran-Saxophon (mit dem er einige Tracks von My Favorite Things einspielte). Aber auch der „Blues to You oder „Mr. Syms“ sind hörenswert. Er war auf erkennbar dem Weg zum freieren Spiel, wollte sich aber noch einmal seiner (Blues)-Wurzeln vergewissern, die sich letztlich auch auf späteren Alben nicht verleugnen lassen. ...Blues Ist kein essentielles Album, aber ein schönes – gerade weil es auf einer schlichteren und leichter konsumierbaren Basis ruht.. Das dann in diesem Jahr aufgenommen Inpulse!-Album Coltrane ist dann das erste Studio-Album allein mit Coltrane's klassischem Quartett, nun mit dem Bassisten Jimmy Garrison an Bord und wieder mit McCoy Tyner (p) und Elvin Jones (dr) – die Besetzung mithin, die 1964 den Über-Klassiker A Love Supreme einspielen würde – und das organische Zusammenspiel der vier Musiker lässt wieder Großes erahnen. Im Studio bleiben alle Beteiligten im Vergleich zum Live-Album zurückhaltend – beobachten einander sozusagen voller gegenseitigem Respekt. Ein Eindruck, der auch daher rühren mag, dass Coltrane seine Klangsalven hier - vermutlich auch bewusst - noch etwas zurückhält. Bestes Beispiel und zugleich bestes Stück auf Coltrane ist die Arlen/Mercer Komposition „Out of This World“, die der Saxophonist auf die ihm eigene Art dekonstruiert und wieder zusammensetzt. Das Stück wird zerlegt und „coltraneisiert“, aber noch sind da Passagen, bei denen er sein Temperament zügelt – in denen er einfach leiser spielt. Der Topf kocht immer wieder über, aber die ruhigen Sequenzen dienen nicht nur als Kontrast zu den feurigen Ausbrüchen, sie verbreitern das emotionale Spektrum, zeigen Farben in Coltrane's Spiel, die man bald danach nur noch selten wiederfindet. „Out of this World“ überstrahlt den Rest des Albums zwar, aber das soll das bezeichnend betitelte finale Stück etwa „Mile's Mode“ nicht abwerten: Hier brennt das Feuerwerk lichterloh, das ist modaler Jazz, wie er vom ehemaligen Arbeitgeber erfunden wurde, aber Coltrane legt die Betonung auf einen härteren Sound, und findet so seine Balance zwischen wilder Improvisation und Davis' modaler, zurückhaltender Musik. Ein ähnlicher Ansatz findet sich bei der lyrischen Ballade „Soul Eyes“, die meist leicht vor sich hin köchelt, um dann doch immer wieder zu explodieren. Und dann ist da das exotische „Tunji“, das den afrozentrischen Free-Jazz kommender Alben vorwegnimmt. Auf Coltrane lernen sich vier exzellente Musiker kennen, und es wird deutlich dass da noch mehr kommen kann. Alle drei Alben sind sehr gut, unverzichtbar aber ist Live at the Village Vanguard – wie gesagt am besten in der „Extended Version“.
Bob Dylan
s/t
(Columbia,
1962)
Das erste Album von Bob Dylan erschien 1962 auf Columbia Records, Dylan's Heimat von Beginn an bis heute. Produziert von John Hammond Jr., dem Sohn des Mannes, der ihn unter Vertrag genommen hatte, ist es der Beginn einer Legende innerhalb der Musikgeschichte – und damit ist die Geschichte der gesamten Musik des 20. Jahrhunderts gemeint – und es ist schon deshalb ein „Klassiker“ im Sinne des Wortes. Wenige Musiker sollten je so großen Erfolg in so kurzer Zeit und vor Allem so viel Einfluß erlangen. Zur Zeit der Aufnahmen war Dylan gerade mal 20 Jahre alt und voller Enthusiasmus und Ideen. Er war sprichwörtlich „young but daily growing". So nahm er für Bob Dylan zunächst ohne der Konkurrenz davon zu berichten Songs auf, die er eher selten in den Folk-Clubs spielte und folgte dabei den "Freight Trains" auf der Suche nach Cisco, Leadbelly und Woody. Auf dieser Suche würde er selber eine Unzahl an Stories in den großen Wahrheiten und Mythen Amerikas (er)finden. Auf seinem Debüt erzählte er erst einmal das nach, was er von den Vorbildern gehört und gelernt hatte, den Sound reduziert – wie es sich dazumal gehörte – auf Mundharmonika, Gitarre und Gesang - aber schon hier hatte seine Stimme etwas getriebenes und schon hier gab die Kraft seiner Persönlichkeit den Songs eine eigene Farbe. Dieser junge Mann hatte schon so viel gehört, dass seine Ohren davon bluteten, er war „Bound for Glory“. Dass er dabei zum Beispiel Dave Van Ronk's Version von „House of the Rising Sun“ Eins zu Eins übernahm, nahm dieser ihm nur kurz übel - Bob Dylan mag neben seinen große Werken klein erscheinen, aber ist es ein großes Debüt und es ist – ganz nebenbei – ein Zeitdokument der Musik, die zu diesewr Zeit in den New Yorker Folk-Clubs gespielt wurde.
Joan Baez
In Concert (Part 1)
(Vanguard,
1962)
Prestige. Wenn man ehrlich ist, ist das mitunter auch ein Grund, aus dem man sich mit bestimmten Künstler beschäftigt. Ich lese über einen bestimmten Musiker, oder es ist die Verbindung zu anderen bekannten Musikern, die ich mag, die mich dazu bringt, mich mit ihnen zu beschäftigen. Joan Baez fällt klar in letztere Kategorie: Wäre sie nicht integraler Bestandteil Dylan's formativer Jahre gewesen, so hätte ich mir ihre Musik kaum ernsthaft angehört. Natürlich war Joan Baez talentiert, Dylan hatte meist Musiker um sich, die selber sehr fähig waren, aber es ist auch nicht zu leugnen, dass ihr Name sehr häufig im Zusammenhang mit Bob Dylan fällt. Und In Concert (Part 1) tut wenig, den Gedanken an einen ungerechtfertigten Hype zu widerlegen. Bei den Konzerten, bei denen Baez angeblich unter massivem Lampenfieber litt, spielte sie Folk-Klassiker wie „House Carpenter“, „Pretty Boy Floyd“ und „Kumbaya“, und während es Häresie wäre, die Klasse des Materials in Frage zu stellen, begrub sie die Songs unter ihrem exzessiven Gesangsstil. Eine der wenigen Ausnahmen hiervon ist „Gospel Ship“, ein Carter-Family Tune, der einen überraschenden Ausblick darauf gibt, zu was sie in der Lage gewesen wäre, hätte sie ihrem Sopran nicht ständig dieses gellende Vibrato aufgezwungen. Für diesen Moment macht der Titel „Queen of folk music’“ wahrhaft Sinn, man hört, dass sie in der Lage gewesen wäre mit ein wenig Zurücknahme in minimalistischem Sound, den andere, unbekanntere Künstlerinnen pflegten, echte Glanzleistungen zu bringen. So ist dieses Album heute doch recht anstrengend, und ich frage mich oft, wieso andere, bessere Sängerinnen – wie etwa Karen Dalton - ein weit geringeres Prestige haben als Joan Baez
Judy Collins
Golden Apples of the Sun
(Elektra,
1962)
Golden Apples of the Sun ist schon Judy Collins zweites Album, und dieses Album und das Debüt sind sich natürlich recht ähnlich. Auch hier spielte sie Traditionals, coverte allerdings erstmalig auch zwei „neue“ = moderne Songs, und wieder war es insbesondere ihr glasklarer Sopran, der zu überzeugen wusste (mehr als die Stimme Joan Baez' übrigens – wenn wir schon mal dabei sind...), der sie angenehmer und weniger „dogmatisch“ klingen ließ (und auch heute noch lässt). Man merkte ihr an, dass sie Live-Erfahrung und Selbstvertrauen in den Folk-Clubs von Greenwich Village in New Yorks gesammelt hatte. Auf Golden Apples... ließ sie sich von Walter Raim an der Gitarre und einem gewissen Bill Lee (Vater des späteren Regisseurs Spike Lee) am Bass begleiten. Ganz nebenbei positionierten sich Jac Holzman und dessen Elektra Label mit Judy Collins und diesem Album deutlich auf der progressiven Seite des Musikgeschehens dieser Tage. Songs wie das altenglische Traditional „Fannerio“ oder der Titelsong des Albums (basierend auf einem Gedicht von W. B. Yeats) sind perfekte Beispiele für eine Art des 60ies Folk, der durch seine - im Vergleich zu manchen anderen - „unpolitischen“ Inhalte eine gewisse Unschuld hatte.
The Beach Boys
Surfin' Safari
(Capitol,
1962)
1962 ist eines dieser Jahre, in denen Bands und Musilker (Siehe Dylan), die in den kommenden Jahren formativ für die Entwicklung der Rockmusik werden sollten, ihre Debütalben aufnehmen. Und diese verblassen dann hinter dem, was diese Stars später leisten würden. Das Debüt der Beach Boys beispielsweise wurde zu einer Zeit aufgenommen, als der Single Hit alles war, die LP wenig galt und nur mit ein bis zwei Hits und eilig produziertem Füllmaterial ausgestattet wurde. So war auch Surfin' Safari bis auf die Hits und einige wenige Ausnahmen dünn produziert und das Songwriting noch lange nicht so exzellent wie es in den folgenden Jahren werden sollte. Der Titeltrack freilich ist famos, ebenso die FlipSide ("409"), welche selber ein Hit wurde - und einer der ersten Hot Rod Klassiker der Band. "Surfin'," die Debutsingle (und der erste kleine, noch nationale Hit), ist auch toll und einer der wenigen Tracks auf dem die Beach Boys nach Garage klingen. Aber leider ist das restliche Material im Vergleich zu späteren Aufnahmen eben eher mittelmäßig (wenn auch immerhin selbstkomponiert), Brian Wilson mußte erst noch eine Strecke gehen, bevor sein kompositorisches Genie aufblühen würde. Aber auf jeden Fall zeigt Surfin' Safari die Beach Boys noch als „echte“ Band, bevor Studiomusiker ihre Parts übernahmen und zwei der besseren Cuts, „The Shift“ und das Instrumental „Moon Dawg“ sind echter Surf-Sound, verweisen schon auf Hits wie das 63'er „Surfin' U.S.A“.
Dick Dale and the Del-Tones
Surfer's Choice
(Deltone,
1962)
Es gibt auch zu Beginn der 60er ein paar Rock'n'Roll Alben, die wirklich Neuland eroberten: Dick Dale's Surfer's Choice beispielsweise etablierte fast alleine das Genre der Surf Musik - machte das lokale Phänomen in ganz Amerika bekannt. Und zwar so bekannt, dass auch im hunderte von Kilometern vom Meer entfernten mittleren Westen der Geist des Surf-Rocks zu einem Jugendphänomen wurde. Das Album wurde hauptsächlich im Rendezvous Ballroom in Balboa Beach live aufgenommen – Ein Heimspiel für Dale - und man kann die Begeisterung des Publikums schon bei den Anfangsakkorden von „Surf Beat“ hören. Es gab ein paar Vocal Tracks in Dick's Set List („Peppermint Man“, „Lovey Dovey“, „Night Owl“, „Fanny Mae“ und „Sloop John B.“ - mit nachträglich im Studio hinzugefügten Strings), aber eigentlich sind es die Instrumentals, die den Surf Rock definieren sollten: Der „Miserlou Twist“ und „Let's Go Trippin“ scheinen dabei die einzigen beiden echten Studiotracks zu sein, die Live Takes von „Surfing Drums“ „Take It Off“, „Shake 'n' Stomp“ und das langsame „Death of a Gremmie“ sind Surf-Sound in seiner Ganzen Pracht. Dass Dick Dale – Sohn polnisch/libanesischer Einwanderer – die Gitarre autodidaktisch erlernt hatte, sie gar verkehrt herum (also mit den Bass-Saiten oben...) spielte, und dass er immens laute Verstärker benutzte, machte ihn so einzigartig Diese Tatsachen bewirkten, dass Dick Dale vielen Gitarristen (z.B. Pete Townshend) als Vorbild diente – dabei gab es niemanden, der so spilete wie er. Surfer's Choice jedenfalls ist Surf Guitar's finest hour.
Dion
Lovers Who Wander
(Laurie,
1962)
Zu Beginn der 60er hatte der New Yorker Dion DiMucci seine vormalige Band, die Belmonts verlassen um eine erfolgreiche Solo-Karriere zu starten. Er hatte sogar in einem Film mitgespielt, und insbesondere eine ganze Reihe von Hit-Singles geschrieben. Dabei hatte er seinen DooWop infizierten Sound mit immer größeren Anteilen von Rhythm'n'Blues und Rock'n'Roll angereichert, und daraus mit seiner Stimme und seinem Stil eine sehr eigene Variante der Popmusik der frühen Sechziger erschaffen. Neben dem ersten Album dieser Phase (Runaround Sue von 1961) ist vor Allem Lovers Who Wander das Album der Wahl, denn hier gelang es ihm neben der gleichnamigen Hitsingle weitere hervorragende Songs zu schreiben - „Little Diane“, „Sandy“ und „(I Was) Born to Cry“ sowie das zumindest von ihm mitkomponierte „Lost for Sure“ waren mindestens so gut – zeigten, was für ein hervorragender Songwriter der Mann war - wie die cleveren Coverversionen „Stagger Lee“ oder „Shout“, die Dion tatsächlich zu seinen eigenen Songs machte. Alle drei Laurie Alben von Dion in der Zeit von 61-63 funktionieren ganz hervorragend im Gesamtpaket - und sie klingen erstaunlich zeitlos. Was umso bemerkenswerter ist,, als sie zu einer Zeit erschienen, in der sich - wie gesagt -das Albumformat noch nicht durchgesetzt hatte und LP's eher als Erweiterung der Single-Hits gedacht waren. Ich denke, dass Dion später in Vergessenheit geriet, hat mit seiner galoppierenden Drogensucht (... ja, auch schon zu dieser Zeit – will man nicht meinen, wenn man diesen Schwiegermuttertraum auf dem Cover sieht) und mit einigen selbstgemachten Karriere-Fehlentscheidungen zu tun. Ihm gelangen später dennoch einige teilweise ganz tolle Alben. Siehe Dion (68) und Wonder Where I'm Bound von 1969.
Howlin' Wolf
The Rocking Chair Album
(Vogue,
Rel. 1962)
Howlin' Wolf
Howling Wolf Sings the Blues
(Crown,
Rel. 1962)
Howlin' Wolf's Rocking Chair Album (Der Titel wurde erst bei Re-Issues auf's Cover gesetzt) war streng genommen eine Compilation von sechs Singles aus den Jahren 60-62, kombiniert mit den jeweiligen Flip-Sides und zeigte ihn als den einzigen ernstzunehmenden Konkurrenten seines Label Kollegen Muddy Waters. Wolf's Stimme sollte später Musiker wie Tom Waits und Captain Beefheart beeinflussen, und war meiner Meinung nach der von MuddyWaters' zeitlebens weit überlegen. Die Songs auf diesem Album dienten in den 60er Jahren unglaublich vielen Bands einer jungen Generation von Rockmusikern als Vorlagen und flossen so in das Bewußtsein einer ganzen Generation von Hörern ein. Und wenn man dann hier hinhört erkennt man, dass nur sehr wenige Cover-Versionen jemals die Intensität ihrer Vorlagen erreichen sollten. Die Tracklist beinhaltet Songs wie "Spoonful," "The Red Rooster," "Wang Dang Doodle," "Back Door Man," "Shake for Me," und "Who's Been Talking?" - allesamt Klassiker, zuguterletzt auch noch eingespielt von und mit Chess Haus-Produzent/Bassist Willie Dixon und Hubert Sumlin an der Gitarre. Das hier ist ein Blues-Klassiker, der in Kombination mit dem folgenden Album alles Wichtige sagt, was man über Howlin' Wolf wissen will. Im Original war auch Sings the Blues eine Compilation von Tracks Howlin' Wolf's aus den Jahren 51-52 bei Chess und Modern, dazu kamen einige Tracks die bei RPM veröffentlicht worden waren und ein paar Instrumentals die nicht einmal von ihm selber waren. Er hatte in den 50ern keine feste Bindung an ein bestimmtes Label, nahm (wie viele andere Bluesmusiker) mal hier mal da eine Single auf und hinterließ ein undurchschaubares Durcheinander an Veröffentlichungen. Die Compilation von Crown ist ein hervorragendes Beispiel für frühen, elektrischen Blues, und die Tracks hätten ohne weiteres auch '62 entstehen können. Howlin' Wolfs Stimme hatte schon ihre angsteinflössende Intensität, die Gitarre war mit soviel Fuzz gespielt, dass man eher an Rock'n'Roll denken mochte – insbesondere bei schnelleren Tracks wie „House Rockin' Boogie" oder "Keep What You Got“. Dazu kamen Versionen von Klassikern wie "Morning at Midnight" (aka "Moanin' at Midnight") und "Dog Me Around" (aka "How Many More Years") und eine Cover-Design, das eher an Werbung für Waschmittel denken läßt, als an rohen Blues. Die CD Version enthält einen Haufen Bonus-Tracks vom Modern Label, was sie zur idealen Ergänzung zum Rocking Chair Album macht.
Ray Charles
Modern Sounds in Country and Western Music
(ABC Paramount, 1962)
Ray Charles
Modern Sounds in Country and Western Music Volume Two
(ABC
Paramount, 1962)
