In Mitteleuropa tobt im Januar ein gewaltiger Sturm namens „Kyrill“ über die Länder und richtet einen finanziellen Schaden von über acht Milliarden € an, und das ist erst der Anfang eines an Wetterextremen extrem reichen Jahres. Diverse ernstzunehmende Klimaforscher weisen im 4. Klimaschutzbericht darauf hin, dass es schon 5 NACH 12 sein könnte und allmählich beginnen die Regierungen der großen Wirtschafsmächte zu begreifen, dass Klimaschutz vielleicht doch ganz nützlich und letztlich lohnend sein könnte –. Derweil sprengen sich in diesem Jahr im Iran, Irak, Pakistan – eigentlich weltweit, wieder einmal zahllose Selbstmordattentäter in die Luft und reißen hunderte von Unschuldigen in den Tod. In Frankreich wird mit Nicolas Sarkozy ein nationalistischer Wiedergänger des Komikers Louis De Funes Staatspräsident und in England kommt mit dem Hoffnunsträger Tony Blair ein „sozialer“ Politiker an die Macht – der die Hoffnungen bitter enttäuschen wird, indem er sich bedingungslos den Forderungen der „New Economy“ unterwirft. Es wird immer deutlicher, dass politische Entscheidungen nicht mehr demokratisch, sondern von Lobbyisten und Konzernen gefällt werden, was wiederum in der „Bevölkerung“ die Achtung für die demokratischen Systeme immer tiefer sinken lässt. Die Globalisierung wird für Viele zum Schreckgespenst, während große Konzerne den Rahm ihrer Vorteile abschöpft. Ganz interessant: Die beiden reichsten Menschen der Welt besitzen zur Zeit mehr Geld, als die 45 ärmsten Länder der Welt erwirtschaften können – irgendwas stimmt da nicht im Bereich Gerechtigkeit und Wirtschaftssystem. Die Harry Potter Romanserie findet ihr Ende, Lee Hazelwood und Alice Coltrane sterben – Musikalisch ist 2007 wie die gesamte zweite Hälfte dieses Jahrzehntes - ein Jahr voller sehr schöner Alben in allen möglichen Gattungen von Pop bis Noise. Radiohead machen ein weiteres schönes Album, das aber zunächst deshalb interessiert, weil es umsonst als Download auf der Band-Website veröffentlicht wird. Verschiedenste Formen avantgardistischer elektronischer Musik sind Konsens geworden (Burial, Stars of the Lid), Black Metal ist Konsensmusik, Freak-Folk, Neo Psychedelik (Animal Collective), intelligenter HipHop (Dälek, El-P...) - alles Musik, die nicht mehr polarisiert - vielleicht weil sie immer greifbar ist und zugleich kaum vor einem breiten Publikum stattfindet. Die meisten wirklich guten Alben enthalten Spezialistenmusik und der „offizielle“ Pop ist zu 90% indiskutabel: Heuer beginnt mit „Umbrella“ + Album der Aufstieg von Rihanna, dem Role Model für devote Mädchen, andere hübsch anzuschauende Produkte ohne Belang sind Nellie Furtado, etc... ebenfalls indiskutabel bleiben Maroon 5 oder die Kinder-Emo's Fall Out Boy. Schließen sich Charts-Erfolg und intelligente Musik inzwischen eigentlich aus ?
Panda Bear
Person Pitch
(Paw
Tracks, 2007)
2007 ist eindeutig das Jahr des Animal Collective – denn sie lassen mindestens zwei glänzende musikalische Perlen auf die Welt los. Im März '07 veröffentlicht Noah Lennox aka Panda Bear – seines Zeichens Multi-Instrumentalist und einer von vier Ideengebern beim Animal Collective – mit Person Pitch sein viertes und bestes Solo-Album. Ich höre immer wieder, dies sei Pet Sounds für das neue Millenium – sehr nett, aber so sehr ich das Über-Album der Beach Boys mag – der Vergleich greift in vieler Hinsicht zu kurz. Ich weiss nicht einmal, ob Panda Bear (den Namen hat er, weil er als junger Musiker seine Tapes gerne mit Panda-Bären bemalte) den Beach Boys-Einfluss bewusst in seine Musik hat einfliessen lassen. Er hat einfach eine angenehme Stimme, die er hier hundertfach loopt, manche Songs bekommen durch orchestrale Samples und durch seine Pop-Affinität tatsächlich eine warme, sommerliche Atmosphäre, aber Einflüsse aus Minimal Techno, HipHop und Avantgarde – und aus dem unkomplizierten Umgang seiner Freunde beim Animal Collective mit Folk und Elektronik – fliessen zu gleich großen Teilen mit in dieses bunte Album ein. Person Pitch ist das akustische Äquivalent zum Aufenthalt in einem Raum mit papiernen Wänden, der umgeben ist von anderen Räumen, aus denen von der einen Seite melodische Psychedelik erklingt, aus einer anderen Richtung Stockhausen schallt, von rechts jemand mit Schellen und Timpani Rhythmen schlägt und von links Techno und Strassenlärm erklingt. Aber was zum wirren Durcheinander werden könnte, wird zusammengehalten durch Noah Lennox' übereinander geschichtete Stimme, sein dahingeschludertes, aber geniales Songwriting und eine leicht bekiffte, fröhliche Atmosphäre. Es gelingt Panda Bear, komplexe Sound-Experimente mit Pop und Spaß zu kombinieren und daraus ein eigenständiges Ganzes zu machen. Es ist (wie bei den Alben seiner „Haupt“ Band) eine gewisse Geduld nötig - man muss sich darauf einzulassen, aber dann wird man mit Songs wie den tatsächlich Beach Boys-artigen „Bros" und "Good Girl/ Carrots" oder der ambient-Collage „Search for Delicious“ belohnt.
Panda Bear - Good Girl/Carrots
Animal Collective
Strawberry Jam
(Domino,
2007)
Jetzt könnte man ja meinen, wenn vier geschüttelte Limo-Flaschen wie David Portner aka Avey Tare, Dan Deacon aka Deakin, Brian Ross Weitz aka Geologist und der oben genannte Panda Bear aufeinandertreffen, gibt das eine sprudelnde Sauerei – aber nein – das ist nicht der Fall. Animal Collective passen in diese Zeit, in der Alles möglich ist und jeder Alles kennt und benutzt, aber sie sind klug genug – und aufeinander so gut eingespielt – dass es nicht zur chaotischen Explosion kommt, sondern – um das Bild zu Ende zu strapazieren – zu mehreren kleinen Limo-Flaschen mit aufregenden, immer neuen Geschmacksnoten. Strawberry Jam als Ganzes sprudelt über vor Ideen, aber die Vier haben diese Ideen geschickt in neun Songs gepackt. Sie haben sich in Texas – in der Wüste – zusammengesetzt und ihre mitunter sehr unterschiedlichen Ideen zusammenfließen lassen. Das geht ein wenig auf Kosten des Flows, das Vorgängeralbum Feels (genauso gut, aber anders) bildet eine Einheit, Strawberry Jam ist anstrengender und zunächst schwerer am Stück zu genießen, aber dafür gibt es positive Entwicklungen in diverse Richtungen. Ich vermute, nicht nur Panda Bear hat sich im Umgang mit Minimal Techno und elektronischer Musik geübt, auch die Kollegen kennen sich da jetzt aus und nutzen ihre Kenntnisse. Aber vor Allem haben alle vier beschlossen, die „konzeptuelle“ Seite ihrer Musik nicht über das Songwriting zu stellen. Die Tracks waren allesamt auf Konzerten ausprobiert worden. Und nicht nur Panda Bear hatte zur Zeit sowieso einen Lauf. So funktioniert Strawberry Jam als Songsammlung unabhängig vom erweiterten Sound der Band. Animal Collective sind immer noch, trotz aller Neuerungen als sie selber erkennbar, die sympathische Spinnerei ist immer noch da, die psychedelischen Spielereien gibt es immer noch (Man höre nur „Winter Wonder Land“ oder „Cuckoo Cuckoo“) - aber das sind richtig tolle Songs, die nun zusätzliche Elemente bekommen haben. Mitsingen erfordert mehrmaliges Hören, aber dann kann man das womöglich auch noch tun. Für mich sind sie hiermit endgültig die neuen Flaming Lips mit eigenem Profil und (Freak) Folk Hintergrund (obwohl der jetzt völlig hinter dem Vorhang anderer Einflüsse verschwunden ist). Animal Collective haben wieder überrascht. Ach ja – welches der beiden Alben besser ist? Beide gleich gelungen, beide sehr typisch Mitte der 00er Jahre, beide unterschiedlich genug – beide hören...
Animal Collective - Cuckoo Cuckoo
Burial
Untrue
(Dubstep,
2007)
Beim Aussuchen der ersten zehn Alben für ein bestimmtes Jahr bin ich (natürlich) oft hin und her gerissen. Da gibt es immer noch weitere Alben, die es verdient hätten hervorgehoben zu werden. 2007 machen Radiohead ihr feines In Rainbows, The National bringen Boxer heraus – oder da gibt es köstlichen Minimal Techno von The Field mit From Here We Go Sublime. Aber 2007 lässt William Emmanuel Bevan aka Burial – da noch immer ganz inkognito – auf sein formidables Debüt seine zweites komplettes Album Untrue folgen. Und obwohl dieses Album „nur“ eine Fortführung des Debüt's ist, ist es das Beste, was es (für mich...) in diesem Jahr an elektronischer Musik gibt. Ich will erwähnen, dass z.B. das renommierte Wire Magazin Untrue zum Album des Jahres kürt... Aber was bekommt man? Aus Samples und Sounds konstruierte Musik, die hoch-emotional ist – mit körperlosen Sprach-Samples, die mehr sagen, als irgendwelche Lyrics, mit Sounds, die bildhaft sind wie die Fahrt durch eine nächtliche, verregnete Großstadt. Es gibt die zu der Zeit so angesagten Dubstep Rhythmen, die ja vielleicht irgendwann unmodern klingt – aber das glaube ich nicht, weil das Gesamtkonzept so schlüssig und zeitlos ist. Vom bedrohlichen Intro mit Strassenlärm und einsamer Stimme über das nachfolgende einfach nur melodische „Archangel“ bis zum majestätischen und fast munteren Closer „Raver“. Man könnte auch die einzelnen Komponenten auseinander dividieren: Regennasse Funk Beats, abdrundtiefe Dub-Bässe, Ambient, der schimmert wie Neonlicht auf nassem Asphalt, und besagte verhallte Stimmen, die durch die Leere wirbeln. Aber es ist eben doch NICHT alles nur Atmosphäre – die Tracks bauen aufeinander auf, haben einen logische Flow, Untrue wirkt dadurch reifer als das Debütalbum. Um so trauriger, dass Bevan/Burial seither (stand 2018) kein Album mehr gemacht hat, sondern „nur“ noch einige wirklich gelungene EP's – von zugegebenermaßen langer Spieldauer. Extended Tracks sozusagen. Für Untrue gilt - wie es so schön in einem kurz-Review heisst: „Headphones, y'all. and lights out.“
Burial - Archangel
Stars Of The Lid
And Their Refinement of the Decline
(Kranky,
2007)
Für Stars of the Lid gilt das Gleiche, wie für Burial: Deren letztes Album The Tired Sounds of... war hier auch schon prominent vertreten – nur dass seither sechs Jahre vergangen sind. Das texanische Duo hat seinen Ambient/ Drone in den vergangenen Jahren verfeinert, die Tiefe der möglichen Soundschichten ausgelotet und kommt jetzt wieder mit einem 3-fach Album/ einer Doppel-CD daher, um den Hörer vollends zu erschöpfen. Inzwischen haben sie ihre organische Verbindung von Drones, orchestralen Samples und vereinzelten Solo-Instrumenten um gletscher-artig voranschiebende Melodiebögen erweitert. Würde man die Tracks in dreifachem Tempo abspielen, kämen regelrechte Songs dabei heraus. Inzwischen haben die diffusen Drones von Orgel und Orchester das Kommando übernommen, Einzel-Instrumente werden nur noch hier und da als Glanzlichter gesetzt, das Auf und Ab der Drones lässt einen unendlich lagsamen Rhythmus entstehen. Den beiden CD's wurde scheinbar jeweils ein Konzept – besser, eine Stimmung – auferlegt. CD 1 ist melancholisch wie ein Sonnenuntergang (in Zeitlupe), CD 2 ist nachtdunkel – „muntere“ Musik dieser Art wäre schließlich undenkbar. Die ersten fünf Tracks bleiben noch zeitlich im Rahmen und fließen ineinander, aber „Don't Bother They're Here“ wird dann schon in zehn Minuten ausformuliert. Adam Wiltzie und Brian McBride wissen genau, Was sie Wie sagen wollen und mit Stars Of The Lid and Their Refinement of the Decline haben sie eine glasklare Reinheit in ihrer Musikform erreicht – eine Reinheit, die vielleicht absichtlich zu einem Wortspiel verführt: Der Titel dieses Album könnte auch lauten: „… and Their Definement of the Recline“ (…ihre Definition vom Zurücklehnen). Wenn dann am Ende das über 18-minütige „December Hunting for Vegetarian Fuckface“ trotz seines seltsamen Titels über den Hörer hinwegspült wie eine letzte Flutwelle, ist das nur der logische Ausklang. Und dass Stars of the Lid seither trotz diverser Versuche kein weiteres Album gemacht haben, scheint auch nur noch logisch. Was sollte nach diesem Album kommen? (Ach ja... das KÖNNTE man auch Stagnation nennen...)
Stars of the Lid - Don't Bother They're Here
Magnolia Electric Co.
Sojourner
(Secretly
Canadian, 2007)
Möglich, dass meine Begeisterung für diese barocke Holzbox mit 4 CDs, einer DVD und einem Anhänger(?) im Stoffsäckchen auch auf die liebevolle Verpackung zurückzuführen ist. Aber Jason Molina – der Kopf und Songwriter/Sänger/Gitarrist von Magnolia Electric Co. Ist einer der ganz Großen – mit einer Diskografie voller herausragender Alben zwischen Alternative Country und Folk. Ich halte ihn für eine Art 90er-Version von Neil Young – und dass er sich 2013 totgesoffen hat, ist eine musikalische Tragödie. Das 2003er Album mit dem Bandnamen als Titel ist im Hauptarikel des entsprechenden Jahres dabei. Sojourner ist eine Zusammenfassung von Jason Molina's Fahrt durch die USA und Kanada zu verschiedenen Aufnahmesessions und Konzerten. Er wollte wohl mal zeigen, wie seine Musik entsteht, wie das Leben on the road ist, was die Einflüsse sind, die zusammenwirken, um seine Musik entstehen zu lassen. Ziemliche Hybris – so was. Aber man bekommt so teilweise wunderbare Songs zu hören, bekommt ein Bild von ihrer Entstehung und davon, wie unterschiedlich sich Einflüsse auswirken. Natürlich gibt es in diesen 117 Minuten Schwächen – da ist die Demo-Session CD Shohola, sparsam aufgenommen, nur Molina + Gitarre und nicht so ergreifend wie etwa Springsteens Nebraska – aber mit Songs wie „The Spell“, die zeigen, dass er auch im kleinen Format Großes leisten kann (Besser dafür ist aber das 2006er Album Let Me go Let Me Go...). Ganz hervorragend die CD Nashville Moon, von Steve Albini produziert, eine Country Band im Hardcore-Wahn, und wieder mit tollen Songs wie „Montgomery“ und „What Comes After the Blues“ - wer könnte diese leicht unsichere Stimme mit der knochentrockenen Band im Hintergrund nicht mögen. Und auch die CD Black Ram hat wieder so wunderbare Songs wie „Will-O-The Wisp“ dabei, nun romantischer, verhallter aufgenommen mit David Lowery in dessen Sound Of Music Studios in Richmond. Molina steht der Country-nahe Sound mit twangy Gitarren genauso gut – diese zwei CD's sind schon das ganze Album wert. Die EP Sun Sessions hat dann sogar mal einen fröhlichen Songs dabei: „Talk to Me Devil, Again!“ zeigt, dass Molina auch mal grinsen kann. Die DVD mit dem Titel The Road Becomes What You Leave zeigt in schönen Bildern den Tour-Alltag in Kanada – unterhaltsam wäre da das falsche Wort, aber es gehört und passt zu diesem extensiven Set. Einem Set, das natürlich ärgerlich limitiert war und inzwischen nur für viel Geld zu haben ist. Aus ausgewählten Tracks setzt sich das vorjährige Album Fading Trails zusammen – nicht so schwer zu finden aber auch nicht einem Konzept verpflichtet. Ein „Sojourner“ ist übrigens eine Person, die mal hier, mal da wohnt. Passt.
Magnolia Electric Co. - Talk to Me Devil, Again!
PJ Harvey
White Chalk
(Island,
2007)
2007 ist Polly Jean Harvey schon seit fast 20 Jahren Teil der intelligenten Elite der populären Musik – ist gefühlt sogar schon so lange dabei, wie ihr Partner im Geiste Nick Cave, (obwohl der tatsächlich noch 10 Jahre mehr Erfahrung hat). Man hat sich einfach daran gewöhnt, dass von ihr in regelmäßigen Abständen gute bis sehr gute Alben erscheinen. Sie hat sich durch ihren Stilwillen, ihre Songwriter-Kunst und ihre Fähigkeit, sich selbst zum Spiegel für alle möglichen Facetten des Feminismus zu machen eine fast unangreifbare Position erarbeitet. Was ihr in den Augen mancher Hipster abgehen mag, ist die Beliebigkeit des aktuellen Postmodernismus. Sie ist in gewisser Weise eine „altmodische“ Solo-Künstlerin – und das mag nicht jedem gefallen. Mit White Chalk zeigt sie wieder eine neue Facette ihrer Persönlichkeit. Das Cover gibt schon den Hinweis: Es ist ihr Emily Brontë-Album. Sie hat – zur eigenen Überraschung – Interesse am Klavier gefunden und in der Zeit, in der sie begann, sich darauf zurecht zu finden, Songs geschrieben. Nach eigenen Worten war das nicht beabsichtigt, aber das Material war da – und es klang interessant genug um ein komplettes, wenn auch kurzes (etwas mehr als 30 Minuten) Album abzuliefern. Zu den Aufnahmen holt sie sich ihren alten Freund John Parish dazu sowie den Ex-Captain Beefheart Musiker Eric Drew Feldman, der die schwierigeren Piano Passagen spielen kann, und den Dirty Three Drummer Jim White – den kennt sie vermutlich durch Nick Cave. Im Gegensatz zum letzten, doch ziemlich rohen Album Uh Huh Her klingt ihre fantastische Stimme auf White Chalk oft regelrecht sanft, sie wispert, sie singt in hohen Tonlagen – und passt sich damit den Erfordernissen der Songs an. Bei „The Mountain“ oder dem Opener „The Devil“ erkennt man sie kaum noch, wenn sie ins Falsett verfällt, aber die Melodieführung mit ihrer untergründigen Dunkelheit bleibt dann doch typisch PJ Harvey. Ein Song wie „Grow Grow Grow“ etwa kann nur von ihr kommen, auch wenn das Gewicht auf dem ganzen Album auf Balladen mit Gothic-Charakter gelegt wird. Ich denke immer wieder an den Kate Bush-Song „Wuthering Heights“ - nur, dass zu diesem Thema ein ganzes Album entstanden ist, dem eine Punk-Vergangenheit voranging. Es GIBT Leute, denen diese Facette zu fremd ist, ich finde White Chalk schön.
PJ Harvey - The Mountain
Arcade Fire
Neon Bible
(Merge,
2007)
Gerade fällt es mir auf: 2007 kommt (in diesem Artikel) ohne bahnbrechende Debüt-Alben aus. Alle hier beschriebenen Alben sind mindestens Zweit-Werke, zementieren „nur“ die Klasse der ausführenden Musiker. Heisst das Stillstand? Irgendwie schon, aber irgendwie auch nicht... Arcade Fire zum Beispiel hatten mit Funeral und einer EP schon drei bis vier Jahre zuvor ein ganz eigenes Feld erobert. Sie waren damit irgendwo zwischen Folk, Chamber-Pop, Post-Punk und (wort-)gewaltiger Emphase so eigenständig, dass die Prominenz der Populärkultur und Millionen Fans sie voller Begeisterung umarmten. Aber ob sie diese Frische auch auf einem zweiten Album haben würden? Die Antwort ist ein lautes „Ja!“. Und nach einem solchen „Ja!“ klingt auch das komplette Album. Neon Bible hat Alles, was Funeral hatte und mehr... Es ist noch emotionaler, die Band klingt mit Hilfe von Orchester etc. noch lauter, Win Butler's Stimme überschlägt sich bei Songs wie dem übergangslos in „Intervention“ fliessenden Titeltrack regelrecht vor Begeisterung und die Orgel dröhnt dazu. Und was bei Anderen peinlich klingen würde, reißt wirklich wirklich mit. Dass die mindestens acht-köpfige Band Neon Bible in einer ehemaligen Kirche aufnahm, passt zur Legende und zum Klang gleichermaßen, Songs wie „Black Mirror“ oder „The Well & the Lighthouse“ oder das mitreissende „No Cars Go“ brauchen einen großen Raum. Wenn Funeral das Zerbrechen der Illusionen der Jugend behandelt hat, dann beschreibt Neon Bible nun die Gefahren und Zwänge, die die letzten Illusionen der vergangenen Jugend rauben wollen. Die zerstörerischen Kräfte aus Religion und Gesellschaft, die zu Unfreiheit und Apathie führen. Aber natürlich gibt es bei Arcade Fire Hoffnung. Nicht – wie man meinen könnte bei solchen Träumern – in Form von Eskapismus, sondern durch Transzendenz. Neon Bible beschreibt, wie man Hoffnung in einer dunkler werdenden Welt bewahren kann, und wie man mit Kreativität und Klugheit die negativen Seiten der eigenen Existenz akzeptieren und dann überwinden kann. Klingt das pathetisch? Natürlich. Und so klingt auch dieses Album. Nichts für Zyniker – aber das waren Arcade Fire ja auch zuvor nicht.
Arcade Fire - No Cars Go
Deathspell Omega
Fas – Ite, Maledicti, In Ignem Aeternum
(Norma
Evangelium Diaboli, 2007)
Black Metal mag seit Beginn der 00er Jahre eine Musikrichtung sein, die einen Hipster-Status bekomen hat, aber dieser Status betrifft meist Bands wie Agalloch oder Alcest. Bands, die ihren Black Metal mit Post-Rock und/oder Folk verquirlen. Aber noch sind viele Bands dieser Szene gewollt obskur, unkommerziell wie Hölle und böse böse böse. Zum Beispiel die Franzosen Deathspell Omega. Deren Mitglieder geben keine Namen preis – nicht einmal die sonst üblichen Künstlernamen. Sie treten nicht Live auf und lassen sich einzig über ihre Ansichten zum Christentum und dem von ihnen favorisierten sehr durchdachten Satanismus aus – was ihnen in der „Szene“ sicher Glaubwürdigkeit garantiert, sie aber nicht davon abhält, dem Black Metal einen kräftigen Stoß in Richtung Psychedelik und Chaos zu geben – ihn also nicht dogmatisch „Old School“ zu belassen. Fas – Ite, Maledicti, In Ignem Aeternum ist Erstens lateinisch für „Das göttliche Gesetz – Gehet ein, Verdammte, in ewiges Feuer“ und Zweitens Teil 2 einer geplanten Trilogie über das Verhältnis des Menschen zu Gott und Satan. Der erste Teil Si monvmentvm reqvires, circvmspice („Wenn Du ein Denkmal suchst, sieh Dich um“) war vor drei Jahren erschienen und hatte den musikalischen Stilwechsel der Band in eine ziemlich einzigartige Richtung eingeleitet. Nach ersten Alben mit relativ „normalem“ Black Metal begannen sie avantgardistische Elemente in ihre Musik einfliessen zu lassen. Gregorianische Chöre mögen noch irgendwie logisch sein, aber die dissonanten, aber kontrollierten Ausbrüche, die kurzen ruhigen Momente, dann wieder Wände aus Noise abwechselnd mit klassischem Death Metal Riffing – all das in einer Intensität, die das vorherige und dieses Album von tausenden anderen ihrer Art unterscheidet. Fas – Ite... legt den Schwerpunkt auf das Verhältnis des Menschen zu Satan – und der Titel sagt schon, dass der Mensch verloren ist. Die düstere, hoffnungslose Stimmung der Musik, die apokalyptischen Ausbrüche, die glasklare Produktion – all das macht schon ohne Textblatt deutlich, wo die Band steht, aber die musikalische Brillianz und Eigenständigkeit heben das Album weit aus dem Durchschnitt und stellen es auf eine Stufe mit Meisterwerken wie Burzum's Filosofem und dem 2006er Diadem of 12 Stars von den Wolves in the Throne Room. Diese Musik ist erschreckend und schön – sie ist erschrecken schön.
Deathspell Omega - The Bread of Bitterness
Oceansize
Frames
(Superball
Music, 2007)
Wenn PJ Harvey und ihr Post-Punk/Gothic Album White Chalk 2007 in gewisser Weise schon ein Anachronismus ist, dann sind Oceansize mit ihrem „progressiven“ Rock trotz der Integration des noch „hippen“ Post Rock das um so mehr. Diese Art von Rockmusik hat sich konzeptionell seit den 70ern eigentlich nicht mehr verändert – natürlich hat sie immer wieder Einflüsse adaptiert, aber letztlich geht es bei progressivem Rock immer um Virtuosität, komplexe Songstrukturen und epische Songs, gerne mit Konzept und viel Pathos. Aber – diese Art von Musik hat alle Moden überstanden, hat ein ähnlich konservativ/stures Publikum wie die diversen Formen von Metal – und teilt sich oft auch deren Fans. Aber ich will Oceansize und ihr Frames nicht lächerlich machen – man könnte auch sagen, dass die Band klingt wie Radiohead ohne elektronische Experimente und ohne allzuviel Avantgarde, dafür mit einem gewissen Hang zum Hardcore. Für den Conaisseur dürfte es ein Vergnügen sein, zuzuhören wie beim Opener „Commemorative ____ T-Shirt“ (der Unterstrich stand zunächst für 9/11) der komplexe Rhythmus gegen ein Gitarrenmotiv gespielt wird, dann nach 2 ½ Minuten eine Melodie dagegen gesetzt wird, das Spiel an Härte gewinnt und irgendwann der Alternative Rock Stimme von Mike Vennart einsetzt. Und es ist faszinierend zu hören, welche Menge an Ideen hier ausformuliert wird, Oceansize lassen sich Zeit, kein Song bleibt unter der 6-Minuten Marke, „The Frame“ dauert länger als 10 Minuten – und es kommt in der Zeit keine Langeweile auf, die Songs entwickeln sich immer linear weiter, der Orkan aus vertrackten Rhythmen, harten Gitarren und Keyboardflächen überdeckt weder Melodik noch Gesang und alles bleibt so klar, wie der Himmel im Auge des Hurricanes. Wer Bands wie Porcupine Tree (deren diesjähriges Album Fear of a Blank Planet hier auch stehen könnte) oder die völlig wahnsinnigen Cardiacs mag, findet hier eine Band, die genau in dieser Schnittmenge arbeitet. Frames ist Oceansize's bestes Album und es mag sich dabei um eine anachronistische Musikform handeln, aber im Grunde sind ja auch die Hipster vom Animal Collective nur altmodische Hippies.
Oceansize - Commemorative ____ T-Shirt
El-P
I'll Sleep When You're Dead
(Def
Jux, 2007)
Keine Kommentare:
Kommentar veröffentlichen