In der Sowjetunion beginnt nun endgültig die Ent-Stalinisierung, und sofort werden die Menschen in den anderen Ostblock-Staaten unruhig und in Ungarn, Polen und Jugoslawien kommt es zu Protesten, die blutig niedergeschlagen werden. In den USA wird in Alabama die Rassentrennung dank der Bürgerrechtler um Martin Luther King aufgehoben – sehr zum Missbehagen so macher rechter Kuttenträger, die McCarthy-Ära mit ihren unerträglichen Verfolgung politisch links-Denkender endet allmählich. In der BRD wird wieder ein Heer ausgebildet, in Nordafrika erlangen der Sudan, Marokko und Tunesien die Unabhängigkeit. Der Suez-Konflikt zwischen Israel und Ägypten bricht aus – ein weiterer Mosaikstein zum bis heute andauernden Konflikt im Nahen Osten. Fidel Castro landet in Kuba und beginnt seine Revolution gegen den Diktator Batista – und uuuh - die USA haben den kommunistischen Erzfeind nun direkt vor der Tür... Die Jugend der Nachkriegsjahre beginnt sich zu (er)regen. In diesem Jahr, das für Rockmusik so etwas wie die Geburtsstunde ist, werden Ian Curtis, Johnny Rotten, Peter Buck und Dwight Yoakam geboren und der Jazz Trompeter Clifford Brown stirbt. Aus Memphis kommen Töne, die ganze Generationen von Jugendlichen beeinflussen sollen. Elvis hat zwar zuvor schon beim kleinen Sun Label Aufnahmen gemacht, aber als er von RCA aus seinem Vertrag herausgekauft wird und dann in kürzester Zeit das Debüt Elvis und kurz darauf das etwas ruhigere Album Elvis Presley herausbringt, als er auch in der Öffentlichkeit und vor allem im Fernsehen wahrgenommen wird, tritt er eine Welle los, an deren Kraft zunächst niemand glaubt. Rock'n'Roll mag vorher schon da gewesen sein, aber jetzt beginnt der Siegeszug dieser Musik bei einem breiten, jungen Publikum für die nächsten 50-60 Jahre (...und ich kann das endlich an LP's dokumentieren...). Man darf aber natürlich die weiteren Entwicklungen in anderen Genre's wie Jazz und Country nicht vernachlässigen, die zwar noch streng vom juvenilen Rock'n'Roll getrennt existieren, die sich aber gegenseitig beeinflussen, 1956 ist ein musikalisch ereignisreiches Jahr. Noch hat nur im Jazz das "Album" Bedeutung – die Jugend hört Radio oder kauft Singles. Und neben den weiter unten versammelten – meiner Meinung nach entscheidenden - „Alben“ gibt es etliche weit weniger jugendgefährdende Künstler,die ich nur hier mal kurz erwähne: Doris Day's „Que Sera, Sera“ etwa ist ein Hit. Dean Martin, Bing Crosby mit Grace Kelly mit „True Love! - das ist noch sehr unschuldige, blütenreine Populärmusik, die ihren Wert hat, die aber für mich hier keine weitere Rolle spielen soll.
Elvis Presley
s/t
(RCA,
1956)
Elvis Presley
Elvis
(RCA,
1956)
Über das Jahr 1956 schreiben heisst über Elvis' Debütalbum schreiben – das ist mal klar. Der Junge aus Tupelo/ Mississippi war schon landesweit berühmt – oder sagen wir besser berüchtigt. Seine Singles hatten seit seinen Tagen bei Sun Records – seit „That's All Right“ im Jahr '54 – wachsenden Erfolg gehabt. Und nachdem er 1955 mit „Heartbreak Hotel“ landesweiten Chartserfolg hatte, seit er bei seinem Auftritt bei der Ed Sullivan-Show seinen „Pelvis“ hatte rotieren lassen und junge Mädchen in Ekstase gebracht hatte, war er ein nationales Phänomen, das nicht mehr ignoriert werden konnte – vor Allem, weil sein erstes Album sich als weit mehr präsentierte, als die übliche Hit-Compilation + Füllmaterial. Tatsächlich sind die Singles auf Elvis Presley nicht enthalten, das Album, das nun bei seinem neuen Label RCA veröffentlicht wurde, mag aus dem Material dreier verschiedener Sessions zusammengebaut worden sein – aber dieses Material war so gut, dass Elvis Presley nach zwei Monaten die Millionenmarke passierte. Da musste auch dem letzten Spötter klar werden, dass Rock'n'Roll mehr war, als ein kurze Mode. Elvis präsentierte sich als Interpret in unterschiedlichen Stilen, da beginnt das Album mit Carl Perkins' „Blue Suede Shoes“, da war Ray Charles’ “I Got a Woman”, da wird Little Richards „Tutti Frutti“ noch beschleunigt, da endet es mit „Money Honey“ von den Drifters und alles dazwischen ist eingesungen von einer Stimme, die vermutlich noch gar nicht wusste, wie gut sie war – mit einer Band, die aus den besten Musikern dieser Zeit bestand. Ich frage mich jedesmal wenn ich diese LP höre, warum heutzutage Produktionszeiten x+ Monaten überhaupt notwendig sind. Letztlich fehlt hier Nichts! Und dann kam sechs Monate später schon das nächste Album – diesmal mit anständigem Cover-Porträt, dazu mit ein paar Tearjerkern wie „Love Me“ oder „Old Shep“, die ihm neben den Herzen delerierender Teenagern nun auch die Herzen ihrer Müttern zufliegen ließ. Dafür sind Rocker wie „Ready Teddy”, „Long Tall Sally” und “Rip It Up” (alle drei von Little Richard) noch härter als das Material auf dem Debüt. Elvis ist weniger konzise als sein Vorgänger, aber es ist nicht schlechter. Es wurde in gerade mal drei Tagen Anfang September '56 in Hollywood aufgenommen und war ebenfalls als dulrchgehende Songkollektion gedacht, bei der die vorherigen Singles nicht enthalten waren. Und natürlich landete Elvis im Januar '57 auch auf Platz 1 der Charts. (Um die unverzichtbaren Singles zu bekommen muß man die Compilations Elvis Golden Records und 50,000,000 Elvis Fans Can't Be Wrong: Elvis Gold Records Vol.2 erwerben und - sowieso zwingend - die Sun Sessions ). Elvis Presley wurde ab nun zur Ikone, zum All American Boy – und seine ersten beiden Alben sind das Fundament des Rock'n'Roll.
Elvis Presley - Blue Suede Shoes
Elvis Presley - Love Me
Johnny Burnette
Johnny Burnette & The Rock’n’ Roll Trio
(Coral,
1956)
Zunächst spielten die Brüder Johnny Burnette, Dorsey Burnette und ihr Gitarrist Paul Burlison aus Memphis Country & Western, aber die Burnette Brüder kannten Elvis, hatten mit ihm im selben Betrieb als Elektriker gearbeitet und wollten mit der gleichen, jungen und temperamentvollen Musik Karriere machen. Und tatsächlich erlangten sie bald lokale Berühmtheit, und nachdem Sun Records sie nicht wollte, bekamen sie einen Plattenvertrag bei Coral und nahmen innerhalb von nur drei Tagen ihr fulminantes Debüt-Album auf. Der harte Fuzz-Sound von Burlisons Gitarre kam durch einen Unfall zustande: Bei einem Konzert hatte sich eine Verstärker-Röhre gelockert, der verzerrte Sound kam beim Publikum so gut an, dass man es einfach dabei beließ - und so Generationen von Gitarristen beeinflussen sollte.„Train Kept-A Rollin'“ wurde später von den Yardbirds und Led Zeppelin gecovert, aber die Wucht der Version auf The Rock'n'Roll Trio blieb unerreicht. Auch der Rest der hier versammelten Rockabilly-Preziosen genügt höchsten Ansprüchen: „Honey Hush“ und „Lonesome Train“ muß jeder gehört haben, der wissen will wo Rockmusik beginnt. Im Grunde genommen ist mit diesem Album alles gesagt, was Wichtig ist im Rock'n'Roll. Das Trio ging leider noch '56 auseinander und Johnny Burnette machte Karriere als Pop-Star ehe er 1964 bei einem Bootsunfall ums Leben kam. Dieses Album muß sich im Rückblick weder hinter den bekannteren Relikten seiner Zeit, noch hinter irgendeiner späteren konsequent „wilden“ Form der Rockmusik verstecken.
Johnny Burnette Trio - Train Kept a'rollin
Gene Vincent and His Blue Caps
Bluejean Bop !
(Capitol,
1956)
Gene Vincent war ebenso wie Elvis unter dem Einfluss von Country und Rhythm & Blues aufgewachsen, war früh bei der Army gelandet und hatte bei einem Motorradunfall eine so schwere Verletzung an seinem Bein davongetragen, dass es amputiert werden sollte. Vincent ließ das nicht zu und musste fortan mit Schmerzmitteln leben. Damit war seine Zeit bei der Army beendet und ab da konzentrierte er sich auf seine Karriere als Musiker. Mit der selbstverfassten Single „Be-Bop a Lula“ im Gepäck bekam er einen Vertrag beim Capitol Label und nahm mit seiner Begleitband The Blue Caps sein Debüt Bluejean Bop! auf. Neben seinem charakteristischen Gesang (mit Bandecho aufgenommenem) waren es vor allem die quecksilbrigen Fills und Leads von Gitarrist Cliff Gallup, die den Sound des Albums prägen. Neben dem Debüt des Rock'n'Roll Trios von Johnny Burnette ist dieses Album zweifellos das musikalische Fundament des Rockabilly – und man kann auch heute noch beim Anhören attestieren - gegen den hier gebotenen Sound waren Elvis Alben harmlos und boten eher an ein Massenpublikum gerichteten Pop. Bluejean Bop! ist sparsamer und klarer im Sound als Elvis Presley und wird eindeutig von einer eingespielten Band performt – nicht von Sessionmusikern - und was diesem Album im Songwriting mangeln mag hat es im Überfluß an Energie und Wucht. Damit sind dieses Album und das Album der Burnette-Brüder (für mich) der eigentliche Ursprung aller wirklich revolutionärer Tendenzen in der Rockmusik. Und mit dem nachfolgenden Album wurde Gene Vincent sogar noch besser...
Gene Vincent - Be Bop A-Lula
Sister Rosetta Tharpe
Gospel Train
(Mercury,
1956)
Rosetta Nubin aka Sister Rosetta Tharpe wurde 1915 in Cotton Plant, Arkansas als als Tochter der reisenden Predigerin und Gospelsängerin Katie Bell Nubin – genannt „Mother Bell“ - geboren und bekam ihre musikalische Ausbildung somit von der Wiege an vermittelt. Mit sechs Jahren meisterte sie die Gitarre, und schon in ganz jungen Jahren entwickelte sie – zunächst gemeinsam mit ihrer Mutter - eine Variante „religiöser“ Musik, die so manchen Puritaner vermutlich das heilige Grausen lehrte. Sie mixte Gospel mit R&B und einem eigenen, auch heute sehr modern klingenden Spiel auf der – Achtung! - Elektrischen Gitarre. Die Titel „the original soul sister“, respektive „ the godmother of rock’n’roll“ hatte sie sich seit den ersten Erfolge in der Zeit vor dem 2. Weltkrieg redlich verdient – obwohl diese Bezeichnung spätestens '56 durch Elvis und Konsorten eine Bedeutung bekam, die die streng religiöse Dame nicht entzückt haben mag – aber man muss darauf hinweisen: Elvis und Johnny Cash nahmen Songs von ihr auf, Chuck Berry und Jerry Lee Lewis nannten sie als Einfluss – vielleicht hatte die Dame auch einen freundlichen Blick auf die jungen Musiker dieser Generation. Sie sie war in jeder Hinsicht ein „Powerhouse“, ihre raue, an Gospel geschulte Stimme, ihr feuriges Gitarrenspiel – all das übersetzt religiöse Musik vielleicht nur unwillentlich in puren Rock'n'Roll und in dieser Hinsicht mag man sie sogar als Kuriosum betrachten – denn Songs wie „Two Little Fishes Five Loafs of Bread“ sind natürlich Stoff für die Bibelfesten – aber die Art, wie das dargebracht wird ist dermaßen kraftvoll und begeistert, dass man fast erschrecken will. Begleitet wird sie auf Gospel Train von Schlagzeug, Klavier und Organ und über allem throhnt ihre Stimme, welchen Stil und welchen Hintergrund Tracks wie das rasante „Up Above My Head There's Music in the Air“ oder „Fly Away“ haben, spielt letztlich keine Rolle. Dieses Album ist so positiv und energiegeladen, dass man mitgerissen wird.
Sister Rosetta Tharpe - Fly Away
Billie Holiday
Lady Sings The Blues
(Verve,
1956)
Billie Holiday war und ist bis heute als Blues- oder Jazzsängerin unübertroffen und an ihrer Musik führt kein Weg vorbei. Sie revolutionierte den Gesangsvortrag, indem sie eine Tiefe vermittelte, eine persönliche Betroffenheit, die man zuvor höchstens bei Blues Sängerinnen wie Bessie Smith gehört hatte - die jedoch nie den breiten Erfolg hatten wie Lady Day in den 30ern und 40ern. Nach diversen Drogen-und Beziehungskatastrophen war sie in den Fünfzigern ins Abseits und in den emotionalen, finanziellen und gesundheitlichen Ruin gerutscht, ehe sie Anfang der 50er durch den Impressario und Label-Eigner Norman Granz wieder in Clubs und ins Studio geholt wurde. 1956 war sie mit ihren knapp vierzig Jahren somit schon vom Leben, insbesondere den Drogen und ihren unglücklichen Beziehungen gezeichnet, aber sie erreichte in dieser Zeit einen ungeahnten, neuen Höhepunkt ihrer gesanglich/ emotionalen Fähigkeiten. Eine LP wie Lady Sings the Blues – die zur gleichen Zeit und mit dem gleichen Titel wie ihre Biographie erschien – steht meilenweit über dem Rest all der Vocal-Jazz Interpreten der Stunde – obwohl oder gerade weil ihr bei so manchem Track regelrecht die Stimme wegbricht. Lady Sings the Blues wurde in mehreren Sessions in den Jahren 54-56 aufgenommen, mit erstklassigem Personal wie Barney Kessel (Git.) oder Paul Quinichette (Sax) und enthält neben dem exzellenten Titeltrack eine ganze Reihe großartiger Takes: Die Version von „Strange Fruit“, „No Good Man“ oder „Some Other Spring“ sind fantastisch. An diese Klasse reichte niemand heran, weil niemand diese Art von Gesang konnte...
Billie Holiday - Strange Fruit
Ella Fitzgerald & Louis Armstrong
Ella & Louis
(Verve,
1956)
… es sei denn, es handelt sich um die Art Vocal Jazz, bei der Technik gleichberechtigt neben dem Ausdruck steht: Siehe Ella Fitzgerald, deren Stimme weit klarer und sicherer ist, die auch nicht mit Ausdruck spart, die aber einfach „cleaner“ klingt – was ja auch seinen Reiz hat. Die Kollaborationen Ella Fitzgeralds mit Louis Armstrong bieten eine andere Art von Vocal Jazz. Beide Musiker lassen sich von einer kleinen Combo begleiten und bei den beiden stehen Songs im Vordergrund, die von ihren so unterschiedlichen Stimmen getragen werden. Auch bei Ella & Louis stand Norman Granz dahinter - er suchte ein paar Klassiker aus dem American Songbook aus und ließ die beiden hier von Oscar Peterson und seinem Quartett begleiten. Ein Rezept, das exakt so noch zweimal benutzt wurde – durchaus mit sowohl künstlerischem als auch kommerziellem Erfolg. Die Stimme Fitzgeralds ist selbstredend über jeden Zweifel erhaben und in Kombination mit Satchmo's Trompete und dem rauen Timbre seiner Sprech-Gesangs-Stimme kann eigentlich nichts schief gehen – zumal bei dieser Paarung Songs wie "Moonlight in Vermont“ oder „Cheek to Cheek“ eine zusätzliche Dimension bekommen. Tatsächlich hatten die Beiden schon in den Vierzigern auf diese Weise zusammengearbeitet und waren somit miteinander vertraut. Ein Umstand, der geholfen haben mag, Ella & Louis und vor allem den Nachfolger Porgy & Bess zu einem solchen Highlight des Vocal Jazz zu machen.
Ella Fitzgerald & Louis Armstrong - Moonlight in Vermont
Ella Fitzgerald
Sings The Cole Porter Song Book Vol. 1
(Verve,
1956)
Ella Fitzgerald
Sings the Rogers and Hart Song Book
(Verve,
1956)
Nachdem sie im Film Pete Shelley's Blues mitgewirkt hatte, war Ella Fitzgerald ebenfalls beim aufstreben-den Jazz Label Verve untergekommen. Und hier begann sie unter der Ägide des umtriebigen Norman Granz mit dem Projekt „American Songbook“. Über mehrere Jahre nahm sie definitive Versionen diverser Songs großer amerikanischer Komponisten auf. ...Sings the Cole Porter Songbook ist somit nur das Erste in einer ganzen Reihe von fantastischen Alben – inzwischen ein Standardwerk des Vocal Jazz. Ihre Interpretationen von Songs wie „I Get a Kick Out of You“, „Ev'ry Time We Say Good-Bye“, "Begin the Beguine“, oder Night and Day“ sind fehlerlos - große Kunst, voller Liebe zum Material und von einzigartiger Klarheit. Tatsächlich klangen ihre Interpretationen des wunderbaren Materials Cole Porters' so klar, dass sie fortan mitunter als Vorlage zum Lernen der englischen Sprache genutzt werden sollten. Heute mag die instrumentale Begleitung des Buddy Bregman Orchestra etwas unmodern klingen, aber sie hat einen unzweifelhaft nostalgischen Reiz, und Ella sollte in dieser Hinsicht nicht stehenbleiben – zumal ihre klare Stimme über jeden Zweifel erhaben ist. Der Nachfolger ...Sings the Rodgers & Hart Songbook – aufgenommen nach dem Intermezzo Ella & Louis - bot instrumental ein ähnliches Setting - und die Songs vom Kompositionsteam Richard Rodgers und Lorenz Hart sind natürlich ebenfalls Klassiker: Sie sang hier Standards wie „My Funny Valentine“, „The Lady Is a Tramp“, „Where or When“,“'Little Girl Blue“ und brachte damit diese Songs und ihre Autoren aus den 30ern und 40ern einem jüngeren Publikum wieder in Erinnerung - Rodgers lebte 1956 noch, Hart aber war bereits 1943 an einer Lungenentzündung verstorben. Norman Granz übernahm abermals die Produktion bei diesem Songbook. Es gab Songs im Big Band Modus, rhythmisch beschwingt und schnell, langsamere Songs in Orchsterbegleitung, und vor allem gab es ein weiteres Mal eine der besten Sängerinnen der 50er Jahre – und damit eben eine der Besten überhaupt. Ella war zu diesem Zeitpunkt stimmlich in der Form ihres Lebens, nicht so verletzt und ergreifend wie Billie Holiday - und daher manchmal für meinen Geschmack etwas zu „technisch“ - aber die Interpretationen waren wieder fehlerlos. Auch dies ist ein Doppelalbum und für beide Alben gilt: Am besten in Portionen genießen. Sie zählen zu den Highlights der Musik der 50er.
Ella Fitzgerald - I Get a Kick Out of You
Elle Fitzgerald - The Lady Is a Tramp
The Charlie Mingus Jazz Workshop
Pithecantrpous Erectus
(Atlantic,
1956)
Pithecanthropus Erectus ist Charles Mingus' Durchbruch als Bandleader - das Album, das ihn als fantasievollen Komponisten etabliert, der zwar ambitionierte moderne Konzepte verfolgt, der aber zugleich tief in der Jazz-Tradition verwurzelt ist. Er hatte die Regeln des Swing und Bop (kennen)gelernt, und suchte nun – abenteuerlustig und unruhig wie er war – Wege, die Kunstform Jazz auszuweiten, indem er sich und seine Begleiter dazu ermunterte, all die erlernten Konventionen links liegen zu lassen. Dazu gehört in dieser Zeit wohl auch ein gewisser Größenwahnsinn – aber damit war Mingus reichlich gesegnet. So ist das Titelstück ein vierteiliges Konzeptwerk über die Entwicklung des menschlichen Geistes, das durch ein sich wiederholendes Thema zusammengehalten wird, unterbrochen von frenetischen Ausbrüchen, die zum Schluss in kontrolliertem Chaos enden. Wichtig sind bei diesem Concept-Piece nicht die instrumentalen Fertigkeiten der Solisten, sondern der Geist hinter dieser Musik – was mir persönlich im Jazz immer lieber sein wird. Und allein eine instrumentale Suite thematisch so bildhaft auszuführen, ist ein Kunststück. Genauso gewagt seine Version von George und Ira Gershwins' „A Foggy Day (In San Francisco)“ incl. Saxophonen, die Autohupen nachahmen, klingelnder Strassenbahn, Polizei - Trillerpfeifen etc.... Mingus' absurder Humor wird immer zu seinem Charakter und zu seiner musik gehören, und diesen Humorlebt er hier aus. Man kann das Album als eine Reihe von in Klang gegossen Portraits und Bildern ansehen bzw. -hören, Mingus passte die Arrangements an die Stärken seiner Musiker an, brachte ihnen ihre Parts nicht in Noten, sondern in Worten und Gesang, durch das Vermitteln von Gefühlen bei. Eine Technik, die er Duke Ellington abgeschaut hatte, und hier präsentiert er sich erstmals als eigenständiger Großmeister. Von ihm kam in den kommenden Jahren noch unermesslich viel.
Charlie Mingus - A Foggy Day (In San Francisco)
George Jones
Grand Ole Opry's New Star: Country Song Hits
(Starday,
1956)
Aber es gab '56 ja nicht nur Jazz und Rock'n'Roll – in der Country-Musike betrat nun mit George Jones ein junger Mann die Bühne, dessen Stimme nach Meinung vieler Musiker zu den besten des Genre's zählt. Grand Ole Opry's New Star: Country Song Hits war George Jones' erstes Album nach diversen Single-Hits – und somit auch wieder eher eine Single-Compilation. Der Titel bezog sich - als eine Art Klammer über die recht unterschiedlich aufgenommenen Songs - auf die ersten großen Auftritte des Sängers in der Grand Ole Opry. Immerhin ist hier schon Alles angelegt, was seinen legendären Status als Country - Gesangsstilisten ausmachen sollte. Man muss darauf hinweisen, Jones hat sich in seiner langen Karriere nie mehr weit vom hier abgesteckten Terrain fortbewegt - lediglich in genau diesem Jahr 1956 hatte er einen kleineren Hit mit dem Rockabilly von „How Come It“ - ein interessanter Hinweis darauf, was damals los war - und zu was er fähig war. Jones war als jüngstes von acht Kindern in ärmlichen Verhältnissen in Texas aufgewachsen, hatte - wie so viele andere Countrymusiker seiner Generation - Hank Williams und Gospelmusik studiert, sich seine Sporen bei Auftritten und den damals üblichen Live-Übertragungen diverser Radiostationen verdient und dabei die Aufmerksamkeit des Labeleigners Pappy Daily erregt, der ihn unter seine Fittiche nahm und hier seine erste LP veröffentlichte. Im Gegensatz zu späteren Alben (...und deren Zahl ist Legion....!) hatte Jones in diesem Fall noch an den Songs mitgeschrieben, sein „Why Baby, Why“ sollte ein veritabler Klassiker werden, es gibt neben dem Hit noch ein paar flotte Songs mit leichtem Rockabilly Drive, das komplette Album klingt jedoch wie gesagt uneinheitlich, da es an diversen Orten aufgenommen wurde. George Jones mag in den kommenden Jahren bessere Alben gemacht haben - vor allem einheitlichere - aber man hört sofort, was für ein großartiger Interpret da aus den Startlöchern kam.
George Jones - Why Baby, Why
The Louvin Brothers
Tragic Songs of Life
(Capitol,
1956)
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